ROBERTO JUARROZ - POESÍA VERTICAL, POEMAS DE OTREDAD

Kandinsky, Amarillo, rojo y azul. 1925

2


El otro que lleva mi nombre
ha comenzado a desconocerme.
Se despierta donde yo me duermo,
me duplica la persuasión de estar ausente,
ocupa mi lugar como si el otro fuera yo,
me copia en las vidrieras que no amo,
me agudiza las cuencas desistidas,
descoloca los signos que nos unen
y visita sin mí las otras versiones de la noche.

Imitando su ejemplo,
ahora empiezo yo a desconocerme.
Tal vez no exista otra manera
de comenzar a conocernos.



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4


Si uno no es igual a su despertar,
si el despertar lo excede
o es menor que uno,
¿quién ocupa la diferencia?

Y si uno no es igual tampoco a su dormir,
¿adónde se queda su costado despierto
o qué otra cosa se duerme con uno?

¿Y si uno no es igual a uno?

El signo igual parece a veces
la duplicación ensimismada
del menos.



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7


¿Por qué las hojas ocupan el lugar de las hojas
y no el que queda entre las hojas?
¿Por qué tu mirada ocupa el hueco que está delante de la razón
y no el que está detrás?
¿Por qué recuerdas que la luz se muere
y en cambio olvidas que también muere la sombra?
¿Por qué se afina el corazón del aire
hasta que la canción se vuelve otro vacío en el vacío?
¿Por qué no callas en el sitio exacto
donde morir es la presencia justa
suspendida del árbol de vivirse?
¿Por qué estas rayas donde el cuerpo cesa
y no otro cuerpo y otro cuerpo y otro?
¿Por qué esta curva del porqué y no el signo
de una recta sin fin y un punto encima?


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Egon Schiele, 1910

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Nos quedamos a veces detenidos
en medio de una calle,
de una palabra
o de un beso,
con los ojos inmóviles
como dos largos vasos de agua solitaria,
con la vida inmóvil
y las manos quietas entre un gesto y el que hubiera seguido,
como si no estuvieran ya en ninguna parte.
Nuestros recuerdos son entonces de otro,
a quien apenas recordamos.

Es como si prestásemos la vida por un rato,
sin la seguridad de que nos va a ser devuelta
y sin que nadie nos la haya pedido,
pero sabiendo que es usada
para algo que nos concierne más que todo.

¿No será también la muerte un préstamo,
en medio de una calle,
de una palabra
o de un beso?

ROBERTO JUARROZ, nació en Coronel Dorrego, Provincia de Buenos Aires, Argentina, el 5 de octubre de 1925.

Sus poemas, de carácter metafísico, están reunidos en volúmenes que presentan el mismo título, desde "Poesía vertical" (1958) hasta "Sexta poesía vertical" (1975). Sus composiciones han sido reunidas en "Nueva poesía vertical" (1977). 

SANTIAGO RUSIÑOL - PINTOR MODERNISTA POLIFACÉTICO

Hoy se cumplen 155 años del nacimiento del pintor Santiago Rusiñol, nació el 25 de Febrero de 1861. Veremos dos obras suyas que están incluidas en la decadencia del placer de la morfina en su época.

Rusiñol se convirtió, a partir de 1894, en la cabeza más visible del Modernismo. Contribuyó a ello, aparte de la personalidad carismática del artista, su capacidad de construir sobre su propia vida la imagen del artista moderno, sacerdote del arte, defensor del arte por el arte en una sociedad materialista y prosaica, y de convertir esta imagen, con el apoyo de la literatura y de su actividad pública, en un mito.

"La-Morfina", Santiago Rusiñol. 1894

El decadente placer de la morfina

“Comprendían los enfermos que aquellas horas de calma, pero de calma engañadora, de la casa del silencio, las daba la Morfina; que aquella palidez macabra la traía la Morfina; que aquella fiebre nerviosa que hasta hacía temblar a las mismas paredes blancas, venía de la Morfina; que era ella la que apagaba la vida, la que daba escalofríos, la que con sus dedos de Marquesa y doradas uñas de arpía, estrangulaba con sigilo a los extraños suicidas de la casa del silencio.”

Santiago Rusiñol

Antes de tomar el alcaloide, Santiago Rusiñol, 1894

La morfina era una droga muy extendida entre las mujeres de alta clase social a finales del siglo XIX. Las damas pudientes acostumbraban a celebrar reuniones en casas privadas para inyectarse colectivamente, e incluso tenían enseres propios para tal asunto, encargados exprofeso a joyeros: jeringuillas de plata con incrustaciones de diamantes, cucharas con mangos adornados de rubíes y otras preciosas joyas modernistas.

Parce que Don Santiago, que siempre fue un crápula y el oveja negra de una familia burguesa, se enganchó a la morfina cuando comenzó a tomarla para aplacar los dolores que sufría en su pierna a raíz de una caída que tuvo en Paris, y solo terminó dejándola con el apoyo de su mujer cuando se recluyó en Cau Ferrat, su casa de Sitges. 

Y es que pese a que en la época la morfina estaba extendidísima, lo cierto era que causaba estragos y no estaba bien vista socialmente. Como vemos en esta otra obra que se llama Antes de tomar el alcaloide, la morfina, que es un polvo blanco, inodoro y soluble en agua, se administraba al principio por vía estomacal, luego levantando la dermis y depositando la dosis necesaria, y finalmente adquirió gran notoriedad gracias a las preciosas jeringas de Pravaz. 

En estas pintura de Rusiñol, el pintor ha querido presentarnos a la modelo como si estuviera enferma, desaliñada y con aspecto de abandonada, el pelo sin recoger sobre los hombros, uno de los cuales ha perdido la sujeción del tirante cuando la mano se ha tensado y agarra la sábana con un toque de dramatismo que nos conduce a pensar, cuando le vemos la placidez de la cara, que la mujer acaba de entrar en los procelosos mundos de Morfeo, pues por el dios griego de los sueños se llama así este alcaloide opiáceo, que fue y sigue siendo uno de los grandes síntomas de la decadencia.

http://eldibujante.com/

Santiago Rusiñol (Barcelona 1861- Aranjuez 1931) intelectual español conocido no sólo por sus magníficas obras de arte sino también por sus escritos y la participación en los círculos modernistas más punteros de finales del siglo XIX quienes encontraron un gran eco en la Barcelona del momento, animados por las expectativas que Cataluña presentaba tanto en el ámbito económico como en el cultural y el social.

Sus obras encuentran elementos o influencias impresionistas, prerrafaelistas e incluso simbolistas.

Si nos referimos a su actividad intelectual, Rusiñol es fundador, junto con otros muchos compañeros, de Els Quatre Gats, centro de reunión de artistas jóvenes. El edificio, diseñado por Josep Puig i Cadafalch, intentaba imitar los lugares de tertulia de Montmatre dando como resultado un edificio que mezcla lo gótico y lo modernista donde se llevaron a cabo debates, exposiciones y espectáculos de toda naturaleza.

Entre sus obras literarias podríamos destacar Desde mi molino, escrita en 1893, Impresiones de arte, del año 1894 o el Místico (1903) aunque su obra más conocida es L `Auca del Senyor Esteve.

JEAN-PAUL SARTRE Y SIMONE DE BEAUVOIR - UN AMOR NECESARIO

Jean Paul Sartre conoció a Simone de Beauvoir un día de examen. Examen de filosofía, curiosamente. En París, 1929. Ella tenía 21 años y él 24. Ambos estudiaban en la École Normale Supérieure de París. Se habían visto en un par de clases pero, con toda probabilidad, no se recordaban. Demasiado ocupados estaban con sus cosas. Tanto, que al poco de conocerse, Jean Paul Sartre empezó a llamar a Simone "el castor". ¿en qué momento se convierte en amor?

Pareja liberal y sin tapujos, establecieron que su relación se regiría por la poligamia, primeramente porque ambos rechazaban el matrimonio, pues ésta era una forma burguesa de vida, además de alegar que lo de ellos se trataba de un amor necesario, mientras que los demás eran amores contingentes.

La pareja atravesó por muchas vías, esquemas, tabúes y tradiciones hasta encontrar el modo de amarse que les era propio: ese donde uno "simplemente" es con el otro.

Mi querida chiquilla

Por mucho tiempo he querido escribirte por la tarde luego de esas salidas con amigos que pronto estaré describiendo en "A Defeat", del tipo donde el mundo es nuestro. 

Quise traerte mis alegrías de conquistador y postrarlas a tus pies, como hacían en la Era del Rey Sol. Y luego, agotado por el griterío, siempre me iba simplemente a la cama.

Hoy lo hago para sentir el placer que tú aún no conoces, de virar abruptamente de amistad a amor, de fuerza hacia ternura. Esta noche te amo en una manera que aún no conoces en mí: no me encuentro ni agotado por los viajes ni envuelto por el deseo de tu presencia.

Estoy dominando mi amor por ti y llevándolo hacia mi interior como elemento constitutivo de mí mismo. Esto ocurre mucho más a menudo de lo que lo admito frente a ti, pero rara vez cuando te escribo. Trata de entenderme: te amo mientras prestas atención a cosas externas. En Toulouse, simplemente te amaba. Esta noche te amo en una tarde de primavera. Te amo con la ventana abierta. Eres mía, y las cosas son mías, y mi amor altera las cosas a mi alrededor y las cosas a mi alrededor alteran mi amor. (...)

Estoy algo nervioso, porque empiezo a esperar sus cartas con esfuerzo. Piense usted, por favor, que desde el sábado no he recibido ninguna. Hace diez años que la conozco y es la primera vez que ocurre esto. Amor mío, cómo me gustaría recibir noticias suyas.

Mi encantador Castor, que ya me ha ofrecido diez años de felicidad, la amo a usted y la beso con todas mis fuerzas. 

Te amo con todo mi corazón y toda mi alma.

Jean Paul Sartre. (carta que le escribió en 1929)

*.- Sartre llamaba a Simone "el Castor", debido a su intensa dedicación a las labores intelectuales: "usted trabaja tanto como un pequeño castor". Desde los inicios, Sartre y el Castor deciden basar su relación en la honestidad y la libertad. Cada uno poseía independencia económica, sentimental y sexual: no estuvieron casados, no vivieron juntos y no tuvieron hijos. Juntos recorrieron el mundo exponiendo sus ideas acerca del existencialismo, destacando siempre la importancia de asumir la propia libertad.

Una de las parejas más recordadas en la literatura. De cuyo amor han quedado centenares de cartas y escritos. Él, apasionado de la filosofía y figura imprescindibles del existencialismo; ella, aferrada a las ideas feministas y mujer audaz y fuerte.

PABLO PICASSO - INTERIORES CON MUJERES DESNUDAS

"La pintura no ha sido hecha para decorar los departamentos. Es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo".

Desnudo de mujer reclinado, 1901

En 1936, Pablo Picasso le confesaba al editor y crítico de arte Christian Zervos: 

"El arte no es nunca la aplicación de un canon de belleza, sino lo que el instinto y el cerebro pueden concebir independientemente de ese canon. Cuando se ama a un mujer, no se cogen instrumentos para medir sus formas, se la ama por el deseo que nos provoca y, sin embargo, se ha hecho todo lo posible para introducir el canon incluso en el amor".

Casi treinta años antes, al realizar Las Señoritas de Aviñón, Picasso consagraba la entrada en el arte moderno de un nuevo sentido del lenguaje artístico, de un nuevo sentido de la artisticidad. 

La belleza ya no era algo dado de antemano sino algo que se redefinía a cada paso. La belleza no era ya un don heredado sino el fruto de su búsqueda. Frente a la belleza como logro surgió otro imperativo: el de la experiencia plástica. Otros valores, otras categorías estéticas pasaron a primer plano y, por tanto, aquello que en el encuentro con la obra de arte suscitaba interés y se identificaba bajo el aspecto de lo bello no tenía una sola fisonomía, no tenía una sola posibilidad, no tenía un solo registro o una sola forma. 

Picasso al redefinir el sentido de los lenguajes plásticos puso en otro lugar en antiguo sentido de la belleza y, la belleza, al manifestarse, se manifestaba como belleza múltiple.

Mujer desnuda reclinada con gato, 1964

Mujer desnuda reclinada con gato, 1964

Desnudos y busto, 1933

Dos mujeres desnudas, 1946

Mujer desnuda reclinada, 1932

Mujer desnuda reclinada, 1955

Mujer desnuda reclinada, 1955

Mujer desnuda reclinada, 1964

Danae, 1962

Mujer desnuda reclinada, 1932

Mujer desnuda cerca del jardín, 1956

Mujer desnuda reclinada y los voyeurs, 1955

Mujer desnuda, 1929

La serenata a mujer desnuda reclinada, 1942

Mujer desnuda durmiendo, 1904

Sentada Desnuda -1921

Dos mujeres desnudas, 1945

Dos mujeres desnudas, 1945

Dos mujeres desnudas, 1946

La durmiente, 1946

Mujer sentada y durmiente, 1947

Dos mujeres sentadas, 1956

En la tradición occidental de las artes, el desnudo femenino ha sido utilizado en un doble registro. En la representación del cuerpo femenino desnudo se proyectaban, en la sociedad patriarcal, determinadas condiciones tanto de la considerada belleza ideal como pulsiones íntimas de un artista masculino que siempre pensaba que se dirigía a un público masculino heterosexual. Pero, al mismo tiempo, el desnudo femenino era utilizado como lugar donde el arte materializaba las características formales de sus propuestas estilísticas y ello tanto en el arte académico como en el arte libre.

De Manet a Matisse, de Cézanne a Duchamp, el tratamiento del desnudo femenino ha sido un campo de experimentaciones formales decisivo en la fundación del arte moderno. Y Picasso centralizó el sentido de estas experiencias al realizar Las señoritas de Aviñón y al introducir el desnudo en el espacio del cubismo.

En sus representaciones, Picasso no hace distingos entre mujer, modelo y amante, todo en él se refiere, simultáneamente, al mundo del arte, a los planteamientos estéticos de su tiempo y a su esfera íntima o personal. El iconotipo de la mujer sentada recorre su obra tanto como el de las tres figuras femeninas y Picasso lo usa, según sus propias declaraciones, tanto para aludir al deseo detenido como para presentar lo femenino prisionero de su propia fisonomía y del paso del tiempo.

Dos mujeres desnudas sentadas, 1921

"El arte es peligroso, el arte no es casto;no están hechos para el arte los inocentes ignorantes. El arte que es casto no es arte".

Fuente de las imágenes: www.wikipaintings.org

Texto: http://200.54.125.64/arte/picasso/txt03.html