Blog que difunde cultura, (poesía, arte, música, historia, política, desvaríos varios y reflexiones de todo tipo).
Pintura de H. Anglada Camarasa, "Sonia de Klamery, 1913.
Johann Sebastian Bach (1685-1750), el gran músico del barroco alemán, se traslada a Leipzig con su familia para desempeñar la función de Cantor en la Escuela de Santo Tomás. Bach, un ferviente devoto y un incansable trabajador, es además modesto y su posición social dista mucho de ser privilegiada.
El reconocimiento a su música aún no se ha producido, el talento que imprimirá a sus composiciones irá creciendo con el paso de los años. La grandeza se la otorgarán definitivamente los siglos venideros.
Alrededor de este argumento, casi anecdótico, la historia se abre hacia un profundo entramado donde están presentes el arte, la historia y, sobre todo, el trabajo y disciplina que supone la creación musical así como los oficios y pequeñas labores que la rodean.
Desde 1936 a nuestros días, cuatro familias de nacionalidades diversas (Rusa, Alemana, Estadounidense y francesa) practican con entrega su pasión hacia la música viendo sus destinos marcados por la Segunda Guerra Mundial, no solo sus vidas sino sus carreras musicales.
Tema basado en un poema del gran poeta francés Paul Verlaine, L'heure exquise (La hora exquisita) es una de las canciones más conocidas de Reynaldo Hahn. Publicada en 1892, es la quinta parte de un grupo de siete canciones titulado Chansons grises (canciones grises). Verlaine se inspiró para componerla en las delicadas pinturas de Watteau, que quedan perfectamente reflejadas tanto en el texto de esta canción, como en la melodía compuesta por Hahn.
"L'heure exquise"
La lune blanche Luit dans les bois ; De chaque branche Part une voix Sous la ramée ...
Ô bien-aimée.
L'étang reflète, Profond miroir, La silhouette Du saule noir Où le vent pleure ...
Rêvons, c'est l'heure.
Un vaste et tendre Apaisement Semble descendre Du firmament Que l'astre irise ...
C'est l'heure exquise.
Paul Verlaine
Te voy a dar la guarida que tiene la vida para seguir viviendo, para vivir queriendo, lo mejor de la vida es vivir el momento y así te lo cuento, para que tú la bailes, para que baile el viento...
El invierno trae caballos blancos que resbalan en la helada. Han encendido fuego para defender los huertos de la bruja blanca de la helada. Entre la blanca humareda se agita el cuidador. El perro entumecido amenaza desde su caseta al témpano flotante de la luna.
Esta noche al niño se le perdonará que duerma tarde. En la casa los padres están de fiesta. Pero él abre las ventanas para ver a los enmascarados jinetes que lo esperan en el bosque y sabe que su destino será amar el olor humilde de los senderos nocturnos.
El invierno trae aguardiente para el maquinista y el fogonero. Una estrella perdida tambalea como baliza. Cantos de soldados ebrios que vuelven tarde a sus cuarteles.
En la casa ha empezado la fiesta. Pero el niño sabe que la fiesta está en otra parte, y mira por la ventana buscando a los desconocidos que pasará toda la vida tratando de encontrar.
Lady Macbeth de Mtsensk, de Shostakóvich, una ópera brutal, desmedida, que aborda con crudeza las pasiones más violentas, ópera de amor, sexo y muerte. La partitura de Shostakóvich transmite el furor del deseo, la angustia, la desesperación, la violencia y la dulzura del amor de forma sobrecogedora.
Eva Maria Westbroek borda una Katerina Ismailova desbordante. "Tan pronto estoy gritando coléricamente como susurrando algo en pianissimo. En el escenario hay barro, nieve, agua. Me mojo, grito, repto... Después de cada actuación casi no puedo hablar, me quedo un rato en estado de shock. Me dejo la piel en el escenario y necesito un tiempo para volver a la vida real"
Dramática recreación del mito del semidios cantor Orfeo enamorado de la ninfa Eurídice, “Orfeo y Eurídice” de Gluck, basada en las “Metamorfosis” de Ovidio y las “Geórgicas” de Virgilio, ocupa un papel esencial en la Historia de la música, pues su estreno en Viena en 1762 supuso la irrupción del movimiento de reforma de la ópera que, liderado por Gluck, significó el abandono de los esquemas barrocos para abrazar los nuevos elementos neoclásicos.
EL ARGUMENTO
El afligido Orfeo llora con desconsuelo sobre la marmórea losa que cubre los restos mortales de su amada Eurídice, fallecida recientemente. Orfeo está dispuesto a realizar cualquier sacrificio por enorme que sea, y afrontar el más espantoso peligro, con tal de rescatar de su tumba a su hermosa esposa. Se ofrece a los dioses, les invoca suplicante y les increpa por lo crueles que con él han sido. Como respuesta a sus palabras, se le aparece el dios Amor, que acude a su conjuro.
Éste informa al desesperado mancebo que el omnipotente Zeus ha oído sus lamentos e imprecaciones. Enternecido por su dolor, le permite llegar hasta el mundo lejano e invisible de los dioses y las furias, donde podrá luchar para recobrar a su amada. Primeramente deberá vencer la resistencia de Plutón y los espíritus malvados que le rodean, quienes tratarán de impedirle la entrada a la mágica región. Para luchar con ellos no debe emplear otra arma que el encanto de su voz y la seducción de sus canciones.
Otra advertencia importante, es que una vez encuentre a Eurídice, no puede mirarla hasta que hayan atravesado las aguas de la laguna Estigia. De no hacerlo así, su prometida moriría, de nuevo, esta vez irremisiblemente. Orfeo acoge con gran júbilo el mensaje de los dioses, dándoles las gracias por haber atendido su ruego e implorando su ayuda para la arriesgada empresa que va a iniciar.
Aparece Orfeo en la entrada del averno y es amenazadoramente recibido por las Furias que habitan en la lobreguez del antro, condenadas a montar guardia eternamente. Ellas lo increpan por haber llegado hasta allí y tratar de penetrar en aquel infernal paraje, cuyo paso está vedado a los mortales. Las amenazas son cada vez más inquietantes con repetidos gritos de ¡No! El atemorizado Orfeo, recordando las palabras del dios Amor, entona una dulce canción en la que expresa su infinita pasión por Eurídice y la honda pena que le ha causado su muerte.
Amansadas por el hechizo de la música y el son cristalino de la voz del cantante, las Furias se apiadan de sus pesares y finalmente le dejan pasar, pero sólo para que pueda encontrar a su amada y recobrarla. Se abren las puertas de los Campos Elíseos, valle paradisíaco, en donde los espíritus bienaventurados, vagan libremente gozando de la paz y la dicha que han merecido sus vidas ejemplares.
Allí Orfeo encuentra a Eurídice y su primer deseo es abrazarla. Pero recordando la severa advertencia del dios Amor, se contiene y tomándola de la mano se la lleva a la laguna Estigia, única salida del reino de las sombras. Ella le sigue dócilmente, aunque muy extrañada de la inexplicable actitud de su amado, pues en lugar de demostrar su contento, la arrastra impetuosamente sin prodigarle ni una sola mirada de afecto.
Orfeo, que ha soltado por un instante la mano de su esposa, continúa avanzando en su camino, sin detenerse y llamando a Eurídice para que le siga. Sabe que las pantanosas aguas de la fatídica laguna no están lejos. No quiere perder tiempo. Debe atravesarlas cuanto antes y alejarse así de aquellos parajes de maldición. Mas la intrigada doncella continúa sin comprender el porqué de aquel extraño comportamiento. Está perpleja de la aparente indiferencia de su amado.
Deteniéndose de pronto, se niega a dar un paso más si éste no la mira y le jura que la quiere. Es preferible regresar a donde estaba, que retornar al mundo de los vivos sin poseer su cariño. Orfeo trata en vano de resistir a este amoroso llamamiento. Olvidando la prohibición de los dioses y no obedeciendo más que al impulso de su corazón de enamorado, se vuelve repentinamente y estrecha a Eurídice entre sus brazos. Inmediatamente la bella muchacha desfallece sin vida. Nuestro protagonista, desesperado, intenta suicidarse pero detiene su mano el dios Amor, quien, en recompensa por tanto sufrimiento, le devuelve de nuevo a Eurídice. Todos festejan el triunfo del amor.
(Venecia, 1678 - Viena, 1741) Compositor y violinista italiano del llamado barroco veneciano. Hoy traemos el Otoño dirigido por Karajan.
...Y Paul Verlaine
PAUL VERLAINE
(Metz, 1844-París, 1896) Poeta francés. Considerado el maestro del decadentismo y principal precursor del simbolismo, es, en realidad, el único poeta francés que merece el epíteto de «impresionista»
Su poema canción de otoño
Los sollozos más hondos del violín del otoño son igual que una herida en el alma de congojas extrañas sin final.
Tembloroso recuerdo esta huida del tiempo que se fue. Evocando el pasado y los días lejanos lloraré.
Este viento se lleva el ayer de tiniebla que pasó, una mala borrasca que levanta hojarasca como yo.
La Sinfonía n.º 5 en do sostenido menor de Gustav Mahler se termina en el otoño de 1902; Mahler irá y volverá sobre ella continuamente hasta el año anterior a su muerte. Es como una continua pelea, como demuestra la ambigüedad trágica expresada en ella.
Sinfonía en 5 movimientos, siendo el más famoso y popular el 4º - Adagietto -, mientras el 1º era fúnebre y melancólico y el 2º violento, el 4º es muy tranquilo, este movimiento fue inmortalizado en la película "Muerte en Venecia", dirigida por Luchino Visconti. La película se basa en el libro de Thomas Mann, quien admiraba a Mahler al punto tal de llamar a su personaje Gustav, en su homenaje. Visconti, además lo refuerza transformándolo en músico (en el libro de Mann es escritor). La sinfonía n.° 5 acompaña a toda la película y el adagietto corona el trágico y triste final de la misma. Nadie que haya visto la obra de Visconti olvidará el exquisito cuarto movimiento de la quinta de Mahler. http://es.wikipedia.org
Los amigos de Sigfrido en vista que el príncipe se encuentra muy angustiado por escoger una esposa lo invitan a cazar y este se adentra en el bosque.
Y en el bosque cerca del lago comienzan a salir de las aguas unos cisnes que se van convirtiendo en hermosas jóvenes. Sigfrido llega al lago y apunta con su ballesta hacia las jóvenes-cisnes cuando aparece su reina Odette.
Ella le cuenta que fue transformada en cisne junto con sus compañeras por el malvado mago Rothbart, que vuelven a su forma humana solamente en la noche y que el hechizo sólo puede romperlo quién le jure amor eterno.
Los jóvenes se enamoran rápidamente.
Cuando Sigfrido va a jurarle amor eterno a Odette aparece Rothbart, quien hace que las jóvenes vuelvan a convertirse en cisnes, para evitar que el príncipe rompa el hechizo.
Antes de que se marche Odette, Sigfrido le pide que asista al baile que se realizará en el castillo la noche siguiente.
Odette se aleja convertida en Cisne
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Escuchando esta maravillosa música cuesta creer que en su estreno no fuera bien recibida. Tuvieron que pasar casi 20 años para que el público reaccionara de forma favorable ante estas hermosas melodías. Lo cual fue verdaderamente una pena, pues Tchaikowsky, tras el fracaso de este primer ballet no volvió a escribir otro hasta mucho tiempo después.
Cuesta creer que el público no se sintiera transportado de inmediato por estos sonidos a un mundo de cuento en el que se mezclan magia, amor, encantamientos, maleficios, engaños… una historia de fantasía, de esas que no tienen edad porque existen desde mucho antes de que nadie las cuente, ambientada por una música que parece haber sido escrita para evocar sentimientos que no pueden ser expresados con palabras.
Los mágicos sonidos del arpa y la tenue melodía del oboe nos transportan a una noche oscura, a un lago en el que no todo es lo que parece. Las voces más estridentes de los metales repitiendo el mismo tema nos avisan del inminente peligro, la presencia de un hechicero. Por tercera vez se repite la melodía, esta vez para introducir el cortejo de cisnes. Tras el asombro inicial, éstos realizan su danza ante el sorprendido príncipe, siempre bajo la amenaza de la presencia del hechicero. Mas de pronto todo se vuelve silencio cuando la encantada princesa cisne aparece envuelta en sonidos de fantasía que se transforman en sorpresa, miedo, curiosidad, y finalmente confianza. La orquesta canta para que los amantes se unan, mas pronto unos bruscos acordes y una melodía que hace llorar el alma anuncian la despedida…
Música, en definitiva, hecha para emocionar. Que lo disfrutéis.
Luciano Pavarotti está considerado como uno de los mejores tenores de todos los tiempos; por eso le escogí e él para que ustedes escuchen esta fenomenal aria, “Una furtiva lágrima”, una de las más preciosas y conocidas canciones de amor, compuestas para tenores, del repertorio operístico y en concreto de la ópera "L' elisird' amore" de Gaetano Donizetti.
Una furtiva lagrima se canta durante la séptima escena del segundo acto. Nemorino ha comprado un supuesto elixir a un charlatán, pensando que con él conquistaría el corazón de Adina, una rica terrateniente, pero el ardid parece no causar efecto, y por el contrario, Adina anuncia su compromiso con otro pretendiente. Desesperado y sin dinero suficiente para otra dosis de elixir, el enamorado se enrola en la Marina. Al saberlo, Adina se enternece y deshace su compromiso, aceptando amar a Nemorino, que canta en la canción su alegría por haber logrado su propósito.
Libreto original (italiano)
Una furtiva lagrima negli occhi suoi spuntò: Quelle festose giovani invidiar sembrò. Che più cercando io vò? Che più cercando io vò? M'ama! Sì, m'ama, lo vedo. Lo vedo. Un solo istante i palpiti del suo bel cor sentir! I miei sospir, confondere per poco a' suoi sospir! I palpiti, i palpiti sentir, confondere i miei coi suoi sospir... Cielo! Si può morir! Di più non chiedo, non chiedo. Ah, cielo! Si può, Si può morir Di più non chiedo, non chiedo. Si può morir, Si può morir d'amor.
Traducción al castellano
Una furtiva lágrima De los ojos suyos brotó, Aquellas alegres jóvenes ella envidiar pareció. ¿Qué más voy a buscar yo? ¿Qué más voy a buscar yo? Me ama, sí, me ama, lo veo, lo veo. ¡Un sólo instante el palpitar de su hermoso corazón sentir! Mis suspiros confundir casi con su suspirar. Sus pálpitos, sus pálpitos sentir, confundir nuestro suspirar... ¡Cielo! ¡se puede morir! Más yo no pido, no pido. ¡Ah Cielo! Sí puedo, sí puedo morir! Más yo no pido, no pido. Se puede morir, ¡Se puede morir de amor!
(Bérgamo, actual Italia, 1797-id., 1848) Compositor italiano. Junto a Rossini y Bellini, Gaetano Donizetti conforma la tríada de compositores italianos que dominó la escena operística hasta la eclosión de Verdi. Representantes los tres de la corriente belcantista, Donizetti fue el más prolífico, con 71 óperas en su haber, escritas entre 1816 y 1844.
La ópera sería el género al que dedicaría sus mayores esfuerzos creativos. La primera oportunidad de darse a conocer en este campo le llegó en 1818 con Enrico di Borgogna, obra que, a pesar de su irregularidad, obtuvo una calurosa acogida. La madurez de su estilo, y con ella sus primeras obras maestras, llegaron en la década de 1830, con títulos como Anna Bolena, L'elisir d'amore, Maria Stuarda yLucia di Lammermoor. Aclamado en toda Europa, su última gran creación, Don Pasquale, se dio a conocer en 1843 en París.
En sus últimos años, la salud del músico fue decayendo irremediablemente: internado en un manicomio en París y luego en su Bérgamo natal, murió aquí prácticamente perdida la razón al parecer a causa de la sífilis terciaria. Aunque no toda su producción alcanza el mismo nivel de calidad, su música, al tiempo que permite el lucimiento de los cantantes, posee una incontestable fuerza dramática y un arrebatado lirismo que lo convierten en el más directo precursor del arte verdiano.
Lucia Di Lammermoor
La novela de Sir Walter Scott, "La novia de Lammermoor" (1819), que inspiró el libreto de Salvatore Cammarano para la ópera de Gaetano Donizetti, "Lucia Di Lammermoor", está basada en un hecho real. El escritor, no quiso herir la sensibilidad (o tal vez sufrir las represalias) de los descendientes de la prominente familia Dalrymple, que a lo largo de los siglos supo dar a su Escocia natal, numerosas y destacadas personalidades civiles, políticas, militares y artísticas.
Janet Dalrymple, se comprometió a fines del siglo XVII, en secreto y sin el permiso de sus padres con un joven que, aunque la amaba, no tenía, ni la posición ni las ideas políticas adecuadas para formar parte de su familia. Cuando el hecho salió a la luz, los padres de Janet, anularon tal voto y la obligaron a casarse con un candidato de su preferencia. En la noche de bodas, se oyeron gritos aterradores provenientes de la habitación nupcial, y los que acudieron a ayudar, encontraron al esposo terriblemente apuñalado y a la joven, daga en mano, murmurando frases incoherentes que denotaban su estado de locura. La familia Dalrymple prohibió, bajo severas penas al que desafíe su voluntad, toda mención o sugerencia al intento de homicidio y de éste, surge la síntesis del drama de Lucia y Edgardo, adaptado en versión libre para la ópera de Donizetti estrenada en Nápoles en 1835.
INVA MULA-TCHAKO es una soprano lírica, nacida en Tirana (Albania) en 1963.
Mischa Maisky comenzó a tomar clases de chelo a los ocho años, primero en la Escuela de Música Municipal y después en el Conservatorio de Riga. Sus hermanos tocaban ya el piano y el violín, así que la elección del chelo fue una decisión natural. En 1962, a los 14 años, se cambió al Conservatorio de Leningrado. Un año después fue admitido al Conservatorio de Moscú, en la clase de Mstislav Rostropóvich. En 1966 logró el sexto puesto en el Concurso Internacional Tchaikovsky en Moscú.-Maisky se distingue por ser el único violonchelista en el mundo que tuvo la oprortunidad de estudiar con Mstislav Rostropovich y con Gregor Piatigorsky. Rostropovich lo definió como «uno de los talentos más extraordinarios de la nueva generación de violonchelistas combinando en su arte, poesía y delicadeza exquisita junto con temperamento y técnica brillante».
Nacido en Letonia y educado en Rusia, Mischa Maisky ha sido aclamado en todas sus actuaciones en los centros musicales más importantes de Londres, París, Berlín, Viena, Nueva York y Tokio.
Se considera como un ciudadano del mundo. Artista en exclusiva de Deustche Grammophon durante los últimos veinticinco años, ha grabado más de 30 discos con orquestas como las Filarmónicas de Viena, Berlín, Sinfónica de Londres, Orchestre de Paris, Orpheus, y Orquesta de Cámara de Europa, entre otras.
La primera grabación de Mischa Maisky fue el Doble concierto para violín y chelo de Brahms junto a Gidon Kremer y la Filarmónica de Viena, dirigida por Leonard Bernstein. Le siguió en 1985 una grabación de las Suites para violonchelo solo de Bach. Desde entonces muchas de sus grabaciones han sido merecedoras de importantes premios internacionales, incluyendo el Grand Prix du Disque y el Record Academy Prize. En 1992 tocó por primera vez en los Proms de Londres, y al año siguiente en el Festival de Salzburgo junto a Martha Argerich. Músico reconocido a nivel mundial es regularmente invitado a participar en los festivales internacionales más prestigiosos con directores del mundo.
(*) El violonchelo, chelo o violoncelo es un instrumento musical de cuerda frotada, perteneciente a la familia del violín, y de tamaño y registro entre la viola y el contrabajo. Se toca frotando un arco con las cuerdas, y con el instrumento sujeto entre las piernas del violonchelista.Según la Real Academia Española, en español se denomina chelo, violoncelo o violonchelo (con preferencia por este último).En algunos países hispanohablantes, se utiliza también la palabra italiana violoncello (pronunciada como en italiano: violonchelo), que no está reconocida por dicha Academia.
El violonchelo en italiano también se abrevia cello (chelo). Según la Academia, el ejecutante de violonchelo se llama violonchelista, violoncelista o chelista. Forman parte fundamental en la orquesta, dentro del grupo de las cuerdas, realizando normalmente las particiones graves, aunque la versatilidad del instrumento les permite realizar partes melódicas.Tradicionalmente es considerado uno de los instrumentos de cuerda que más se parece a la voz humana.A lo largo de la historia de la música se han compuesto muchas obras para violonchelo debido a su gran importancia dentro del panorama musical al ser éste un instrumento básico en muchas formaciones instrumentales.
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