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viernes, 13 de abril de 2012

HARTAZGO




Me harté de tus migajas, 
de lanzar caracolas a tus lémures charcas
donde no hay lugar para mis barcos de papel.
Me harté de regalarte mis encajes
cuando los búhos tiritan 
en el campanario y la noche 
me corroe por tu ausencia.
Me harté de tu ternura en plural,
de darle un rostro al yermo desencanto.
Me harté, y en la aversión 
dolorosa de los incierto,
emprendo la huída
               …devuélveme mis huellas
                         me voy por donde vine.



VivianS

De su blog, que me encanta, http://lamusaconfusa.blogspot.com.es


EDWARD HOPPER - EXPOSICIÓN EN MADRID DE SUS OBRAS


HALCONES DE LA NOCHE


Edward Hopper (Nyack, 1882 – Nueva York, 1967) fue uno de los principales representantes del realismo norteamericano del siglo XX. Sus cuadros son un fiel retrato del país; revelan su cara más moderna, pero sin idealizarla, mostrando la realidad de manera simplificada.


LA SOLEDAD

Aunque pintó también paisajes y escenas al aire libre,  la mayoría de sus  obras se desarrollan en lugares públicos y urbanos, como bares, hoteles, estaciones, trenes…entornos sin embargo prácticamente vacíos y con fuertes contrastes entre luces y sombras que acentúan la soledad y el dramatismo del hombre moderno. Y es que, a pesar de su popularidad y de su estilo  aparentemente accesible, las obras de Hopper son uno de los fenómenos más complejos del arte del siglo XX.


HABITACIÓN DE HOTEL
Además, aunque se trata de uno de los artistas norteamericanos más apreciados por el público europeo, su obra sólo se ha expuesto aquí en contadas ocasiones. Llenar ese vacío y profundizar en la trascendencia de su obra son los principales objetivos de esta muestra.

UNA MUJER EN EL SOL
La exposición en Madrid presentará una selección de 70 obras -pinturas, dibujos, grabados y acuarelas- y analizará la evolución de Hopper desde sus años de formación en la New York School of Art hasta su etapa de madurez, repasando así toda su trayectoria artística de forma cronológica pero destacando también los temas más recurrentes de su producción.
Esta quizás sea la más amplia y ambiciosa selección de la obra del artistaestadounidense que se haya mostrado hasta ahora en Europa, con préstamos procedentes de grandes museos e instituciones como el MoMA y el Metropolitan Museum de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Boston, la Addison Gallery of American Art de Andover o la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Filadelfia, además de algunos coleccionistas privados, y con mención especial al Whitney Museum of American Art de Nueva York, que ha cedido 14 obras del legado de Josephine N. Hopper, esposa del pintor.
La exposición podrá visitarse del 12 de junio al 16 de septiembre de 2012, en el Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado, 8 – Madrid.

miércoles, 11 de abril de 2012

DORA MAAR Y PICASSO - RELACIÓN DE CREACIÓN Y DESTRUCCIÓN, DE AMOR Y PROMISCUIDAD




Theodora Markovitch decidió cambiarse el nombre. Pasó a llamarse Dora Maar. Criada en Buenos Aires desde los tres a los 19 años, vivió en un ambiente hostil de padres distanciados. Apasionada por la fotografía, quiso ser ayudante de Man Ray, pero éste la rechazó. Conoció al joven Cartier—Bresson, a Claude Brassaï, el retratista húngaro afecto a las malas calles y a las putas envueltas en un recodo de sombra, y mantuvo una sociedad con Pierre Krefer. El amor tumultuoso de su primera juventud fue Georges Bataille: la introdujo en los secretos de prácticas amatorias poco convencionales, de tal modo que cuando la conoció Picasso, primero en un rodaje de Jean Renoir y luego en un café de París, Dora Maar arrastraba una importante leyenda erótica. 




Uno de los más célebres retratos de Dora Maar

Paul Eluard fue quien los presentó y pronto se estableció una compleja relación de creación y destrucción, de amor y promiscuidad, entre ellos. Picasso, el fauno genial, el trabajador incesante, seguía compartiendo algunos momentos con Olga Kokhlova, que se alejaba de su vida, y con la bellísima y futura suicida Marie-Therese Walker. 


Picasso, el manipulador, el ambiguo, que era rápido para percibir el aroma de una posible amante, la enamoró y la usó a su gusto, siete años después y cansado ya de ella, decidió dejarla por otra, para él solo fue otro juego amoroso, pero ella quedó tocada, tenía una personalidad arrolladora, y desde que se quedó sola, abandonó todo su arte en la fotografía, diseños y demás.





Picasso la vampirizó y ella también se dejó sojuzgar. Era dichosa sabiéndose deseada por el genio. Fue abandonando lentamente las cámaras y se encaminó hacia el lienzo. Picasso la pintó muchas veces siempre con un rictus grave, entre amargo y desesperado. No sólo poseía un cuerpo montaraz, casi fornido, sino una voz fuerte, elegante y segura que provocaba el embeleso. En 1946, después de diez años de disputas y amarguras, Françoise Gilot la reemplazó en el corazón del artista. 







Uno de los muchos retratos que le hizo Picasso a Dora, 1937


Ella decidió retirarse del mundo, destruida y melancólica (“Después de Picasso, sólo Dios”, dijo), y se convirtió en una ermitaña que falleció medio siglo más tarde, en 1997. 


Murió a los 90 años , dejando para la posteridad una frase lapidaria : “Yo no fui la amante de Picasso; él sólo fue mi amo”. Este argumento fue la materia central del montaje del Teatro del Temple “Picasso adora la Maar”, con espléndida dirección de Carlos Martín y un magnífico texto de Alfonso Plou. 



Un «Retrato de Dora Maar», que Picasso pintó el 27 de marzo de 1939, se ha integrado en las colecciones del Reina Sofía. La obra ha sido entregada en concepto de dación (pago de impuestos) por Caja Madrid. Este óleo sobre tabla ha costado 4,2 millones de euros.



Acaba de salir un libro muy interesante sobre su vida y su relación con Picasso, lo escribe Victoria Combalía que rastrea en la vida y la obra de esta genial fotógrafa y todo el romance apasionado y tortuoso con el pintor. El libro se llama Dora Maar, y es de la editorial Circe. Os lo recomiendo.

martes, 10 de abril de 2012

JOSÉ LUIS ZÚÑIGA - DONDE LATE LA PALABRA AMOR

Jennifer Yoswa 


Brechtiana

Primero fueron a por los que bebían.
Yo no bebía, no me importó mucho.

Fueron después a por los que fumaban.
Yo no fumaba, no me importó mucho.

Continuaron con los que creían
que vivían.
Yo no creía, no me importó mucho.

Cuando fueron a por los que vivían
sin importarles nada los demás,
entonces
ya no tuvo remedio.

******
Jennifer Yoswa 

DONDE LATE LA PALABRA AMOR

Amor amor amor, amor callado,
amor callado, amor sereno y tierno,
amor sereno, amor, amor de invierno,
de incierto invierno amor, de invierno airado.

Airado amor en sombra enajenado,
en sombra y hielo, amor, amor interno,
amado amor azul como el eterno
amor ausente, amor, amante amado.

Amor amable, amor, pasión herida,
errática pasión amaestrada,
querencia presa, amor, prisión querida.

Que no, mi amor, que no, no tengo nada
que darte, amor, que no, sino mi vida,
mi pobre vida, amor, enamorada.


JOSÉ LUIS ZÚÑIGA,  poeta y cantautor español. 

(1949 - 2011)


Durante décadas, animó con sus poemas y canciones los locales, bares y salas de Madrid. Fue uno de los fundadores del colectivo Cultura Indigente. Falleció en Abril del 2011.


EXPOSICIÓN EN HONOR A CLOTILDE GARCÍA DEL CASTILLO, MUSA Y MUJER DE JOAQUÍN SOROLLA


"Ando cojo, me falta tu sereno juicio y tus apasionados besos. Dios quiera que algún día estas excursiones artísticas las hagamos siempre juntos". 

Esta confesión forma parte de las misivas que Joaquín Sorolla le enviaba a su mujer y musa, Clotilde García del Castillo.









El Museo Sorolla rinde homenaje a Clotilde a través de los dibujos, muchos de ellos inéditos, fotografías, algún desnudo y apuntes al óleo, que el artista valenciano realizó de su modelo favorita.









Esta muestra es una historia de amor: el de Sorolla hacia su mujer, Clotilde García del Castillo, que se prodiga y se manifiesta, siempre fresco, en los incontables retratos y dibujos donde constantemente la representa, como digna y elegante esposa del gran artista en importantes retratos, o como compañera, como musa y madre, en apuntes, esbozos y dibujos que la captan en la intimidad de la casa, en los gestos espontáneos del juego con los niños, los trabajos rutinarios de costura o los ratos distraídos de lectura; y en las cartas asiduas, cariñosas y llenas de humor, y a veces profundas, reflexivas o melancólicas que le escribía cada día que pasaba separado de ella.











Y el de Clotilde hacia Joaquín, expresado no solo en el gesto final del legado, sino en el cuidado que puso, desde el primer momento de su relación y hasta su muerte, en guardar los testimonios de su vida común y del trabajo de Sorolla: todas aquellas cartas, las fotos, las listas de los cuadros que se enviaban a las exposiciones, las cuentas, que forman parte importante de las colecciones del museo y nos permiten hoy conocer el entramado de la vida cotidiana de Joaquín Sorolla y la sólida tierra que sostuvo su fulgurante carrera.





"Pintarte y amarte, eso es todo ¿Te parece poco?" 



Con esta frase escrita en una carta resumía Sorolla la pasión que sentía por su esposa Clotilde, un amor que comenzó cuando ambos eran niños y continuó durante muchos años. Esta historia ha protagonizado muchos de los cuadros y dibujos del pintor valenciano y ahora podemos contemplarlos en el museo que lleva su nombre y que fue su casa en el barrio de Chamberí.










"Cuando me doy un atracón grande y pinto con intensidad, el cansancio me produce una alegría celestial y una satisfacción inmensa: la del hombre que cumple con su deber, y los sacrificios los tengo ultracompensados", le escribe Joaquín Sorolla a su esposa, Clotilde, en la época de las agotadoras sesiones de trabajo de Visión de España.







Clotilde y Joaquín, 1923

Clotilde y Joaquín


La muestra la conforman un total de 34 lienzos, 15 notas de color, 40 dibujos y 49 fotografías. De los 34 lienzos que se exponen 32 son fondos del Museo Sorolla, uno ha sido cedido para la muestra por una colección particular y uno ha sido prestado por el Museo de Bellas Artes de Valencia. Una gran parte de los 40 dibujos que podrán contemplarse en la Planta Primera son inéditos y se han restaurado para la ocasión un total de 24.


Las obras pueden ser vistas hasta el 14 de octubre de 2012, en el Museo Sorolla, General Martínez Campos, 37 – Madrid.


PALACIO DE CRISTAL DEL RETIRO EN MADRID




Palacio de cristal del Retiro, en Madrid.


El palacio fue realizado en 1887, y su restauración completa fue en 1992.

Fue construido por Ricardo Velázquez Bosco, y su proyecto de construcción se inspiraba en el Crystal Palace, obra de Paxton de Londres. Es una gran representación de arquitectura de hierro y vidrio en España. Es como una especie de catedral de vidrio, construido en una colina de césped. Sus proporciones son clásicas. Sus paredes son grandes vidrieras sostenidas por jónicas columnas de hierro.





Está formado por una planta de cruz griega con tres cuerpos absidales poligonales de ocho lados, cuenta con una cúpula de cuatro paños (en el centro), donde se cruzan los arcos. Se quitó uno de sus brazos para introducir el pórtico de entrada. 





El edificio está rodeado de castaños de Indias y a sus pies se encuentra un lago artificial repleto de patos, cines y ciprés de pantano. Se trataba de un invernadero que servía de pabellón para albergar una gran muestra de plantas exóticas traídas con motivo de la Exposición General de Filipinas celebrada en Madrid.





El 10 de mayo de 1936, el Palacio de Cristal del Retiro fue el escenario en el que se eligió a Manuel Azaña como presidente de la República. Las Cortes se habían quedado pequeñas para acoger a la asamblea mixta de diputados y compromisarios y el Palacio de Cristal fue elegido para la votación y toma de posesión. Azaña, único candidato, salió elegido por 754 votos de 874.




Finalmente, desde 1990 el Palacio de Cristal del Retiro es una de las sedes del museo de arte contemporáneo Reina Sofía, de forma que cuando lo visites, siempre tendrás la oportunidad de ver una exposición temporal de dicha entidad cultural.