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Mostrando las entradas para la consulta PICASSO - EN BLANCO Y NEGRO ordenadas por fecha. Ordenar por relevancia Mostrar todas las entradas
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domingo, 25 de enero de 2015

SERIE "MUJERES LLORANDO", DE PABLO PICASSO - AÑO 1937 - [VÍDEO]


"Travesía de muralla a muralla,
el abismo es el párpado,
allí naufraga el mundo
arrasado por una lágrima". (Blanca Varela).


Mujer que llora, 1937, Picasso

En 1937, Pablo Picasso pinta el cuadro Mujer que llora, en el que presenta el sufrimiento y el dolor de una mujer ante la guerra civil española.

Es un cuadro que transmite gran emoción mediante colores fuertes, como rojos y amarillos (colores de la bandera republicana junto con el morado), verdes y negros y formas y planos geométricos. Las líneas de contorno de la figura son negras y están muy marcadas y vemos como la boca, el pañuelo y las manos están en blanco y negro para acentuar el contraste y llamarnos la atención hacia ese grito desgarrador que parece emitir la figura.

Es un cuadro que no nos deja indiferentes y llama la atención el llamativo sombrero con flor, el pelo que parece recién peinado y ese abrigo con pespuntes. Si nos fijamos en los ojos, parecen abiertos de par en par, como transmitiendo la desesperación y el dolor que produce una guerra.

En 1986 este cuadro fue robado del Museo de Melbourne en Australia por un grupo llamado Terroristas Culturales Australianos.

Los colores fuertes y las pinceladas rígidas describen toda la intensidad desgarradora del dolor que siente esta afligida mujer. La atención del espectador se centra de inmediato en la zona fría, azul y blanca, en torno a la boca y los dientes. Los ojos y la frente están dislocados, literalmente rotos por la pena. La figura recuerda a las del gran muralGuernica, que Picasso pintó el mismo año y que representa una matanza de la guerra civil española. 

Este cuadro es uno de los más expresivos de la serie titulada "mujeres llorando":


Mujer llorando, 1937
Mujer llorando, 1937
Cabeza de mujer llorando con pañuelo III


El dolor y el sufrimiento se hacen patente en la serie. No hay lugar para la serenidad y el equilibrio. Las líneas se quiebran, los colores se contraponen. 

Las tonalidades intensas captan la atención hacia los puntos más dramáticos: las manos, los ojos y la boca. 

El tiempo y el espacio se fragmentan ante el caos, la inseguridad y la desesperación. 


La serie es un grito de dolor ante las atrocidades de la guerra. 



Cabeza de mujer llorando con pañuelo I


Lloremos. ¡Ah! Lloremos purificantes lágrimas, hasta ver disolverse el odio, la mentira, y lograr algún día (sin los ojos lluviosos) volver a sonreírle a la vida que pasa.


Oliverio Girondo


Cabeza de mujer llorando con pañuelo II

Mujer llorando, 1937
Mujer llorando, 1937


"Hay que recuperar, mantener y transmitir la memoria histórica, porque se empieza por el olvido y se termina en la indiferencia", lo decía Saramago en el 2005.

También recordando a Antonio Machado, que decía: "¡Madrid, Madrid, qué bien tu nombre suena / rompeolas de todas las Españas! / La tierra se desgarra, el cielo truena / tú sonríes con plomo en las entrañas".


SALVADOR BACARISSE - ROMANZA


*.- Concertino para guitarra y orquesta en la menor , Opus 72-(1957), de Bacarisse, compositor español exiliado de guerra, murió en París en el 1963, nos dejó esta romanza tan conocida.







miércoles, 30 de abril de 2014

EL PERÍODO CUBISTA DE PICASSO (1907/1917) - LENGUAJE PICTÓRICO LLENO DE PARADOJAS

Picasso es el gran genio del cubismo, y en buena medida su creador.


El cubismo es (según él mismo señaló): "Un medio para decir las cosas del modo que me parece más natural". 


Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que se enmarca en su período pre-cubista y que será el punto de partida.


De hecho, este cuadro anuncia una época totalmente nueva en el arte y es considerado el cuadro más importante de todo el siglo XX. 



Las Señoritas de Avignon, 1907


Esta es la etapa más importante del arte de Picasso, y la más trascendente. 


Comienza en 1907 y termina oficialmente en 1917. 




Autorretrato, 1907


Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque son los máximos exponentes de esta corriente, que revolucionó las bases de la pintura y de todas las artes. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son vanguardistas. Se pintaron sobre todo bodegones, naturalezas muertas y retratos en este estilo.

El cubismo es esencial como movimiento pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.

Fue el francés Apollinaire quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar.


"La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere".


La danza de los velos (desnudo con paños), 1907

Tres mujeres, 1907


"La pintura no ha sido hecha para decorar los departamentos. Es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo".



Mujer con abanico (después del baile), 1908


El Cubismo es un hito en la historia de la pintura. Todas las corrientes posteriores van a establecer relacion con el cubismo: o bien para incorporar elementos o bien para rechazarlo.




Ramo de flores en un jarro gris y copa. 1908

Vaso y libro, 1908


George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.




Naturaleza muerta con pescado, 1908



En 1909 Picasso sorprende de nuevo. En "Cabeza de mujer" los planos se descomponen hasta el infinito y desde todos los puntos de vista. En un cuadro como "La mujer en camisa" se puede observar el grado de geometrización a que somete a las formas: el triángulo de la cara, las curvas ondulantes en el cuerpo y en el pelo, todo ello pura geometría. 




Cabeza de mujer, 1908-09


Frutero y panes encima de una mesa. 1908-09

Mujer con mandolina. 1909


El cubismo hará un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.




La fabrica de Horta de Ebro, 1909


Retrato de Manuel Pallarés, 1909



Hacia 1910 Braque y Picasso comienzan el cubismo analitico: el más complejo y abstracto de entre todos los periodos del cubismo; la pintura de Braque y Picasso es entonces indistinguible, y lo sería tambien en las diferentes tendencias cubistas, como con el cubismo sintético.




Retrato de Wilhelm Uhde. 1910


Violín, 1912



Cubismo sintético: Poco a poco los planos se hacen más grandes y aparecen referencias de la realidad, siempre geométricas: cuerdas de guitarra, letras... Los temas son alegres y lúdicos. Son los primeros collages en pintura.





Naturaleza muerta con trenzado de silla. 1912

Hombre con mandolina. 1913


El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. 


La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. 

Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. 

Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. 






Mujer en camisa sentada en un sillón. 1914

Frutero con racimo de uvas y pera. 1914


Arlequín. 1915


Los tres músicos, 1915


La última fase cubista en Picasso es la "puntillista", con la que rompe gradualmente con el cubismo. 

La utilización del punto para componer y crear es propia de los puntillistas como Georges Seurat y Paul Signac e hizo investigaciones Picasso, con la técnica puntillista, en Manola con mantilla. El punto como centro de interés, foco de atención y dirección de la mirada.

Y a partir de este año, 1917, empezará su período neoclasicista, con una tendencia, valga la redundancia, al clasicismo, al desnudo monumental, al dibujo de línea. Durará hasta 1927.




Manola con mantilla, 1917

"Todo lo que puede ser imaginado es real".


Fuentes:



http://www.taringa.net/

http://www.arteespana.com/

Las imágenes son de este blog:

http://www.drasolt.com/index.php?template=cubismodepicasso

martes, 1 de abril de 2014

LEON SPILLIAERT - ARTISTA BELGA SIMBOLISTA, PLASMÓ COMO NADIE LAS IMÁGENES TENEBROSAS DE LOS SUEÑOS

Leon Spilliaert, pintor y diseñador belga (Ostende, 28 de Julio de 1881- Bruselas, 23 de Noviembre de 1946).

Autorretrato, 1903


Formado en La Academia de Arte de Brujas, en breve abandona la disciplina académica para evolucionar al margen de disciplinas. 

Autodidacta e independiente, tiene, en su primera etapa, como fuente de inspiración a los escritos de Friedrich Nietzsche o Maurice Maeterlinck.

Establecido en París en 1904, su periplo por la capital francesa le permite crecer como artista y conocer los trabajos de Edvard Munch, Henri de Toulouse Lautrec, Van Gogh y Paul Gauguin o relacionarse con genios de la talla de Pablo Picasso. Amistades coetáneas y referentes fundamentales que, a la postre, encarnaron un influjo directo en su producción. Además del evidente valor concedido por el pintor a la obra del simbolista Odilon Redon y su proceso de creación. 



La bebedora de absenta, 1907

Vértigo, 1908


Parece que Léon Sipallaert, testigo solitario, aprendió una forma de plasmar las imágenes tenebrosas de los sueños. Tal vez comprendió que la luz que les da imagen no es la del Sol y que su reflejo puede ser de hilos de telaraña.


Los vagabundos nocturnos de la ciudad, a lo largo de las playas y los diques, todos ellos rodeados de una atmósfera de pesadilla y de una tragedia en muchas ocasiones emana de sus cuadros, que parecen transmitir un sentimiento profundo y vago de angustia, la soledad.




Noche, 1908

Mujer en el mar, 1908

Joven con bufanda roja, 1908

Mujer en el malecón, 1908



La imagen nocturna de la mujer solitaria encogida en su chal blanco (y de espaldas al espectador) en una interminable escollera avasallaba por su belleza y parecía un presagio. 



Claro de Luna y Luces, 1909

Mujer con amplio sombrero, 1909

La bañista, 1910


El poste, 1910
La soledad, 1910

Las tres figuras, 1910

Le Nuage

Con la sombra a cuestas

Solitude

Dos mujeres en una duna


Su oscuridad, su mar, su desolación, su melancolía, su caminantes nocturnos envueltos en un aire ominoso están hechos de acuarela, gouache, pastel, creyones y tinta china. La playa nunca lució tan amenazadora.



La puerta abierta, 1945

Hibou, 1918

La pareja




Mujer pescadora frente al agua




La dama en el tren

Túnicas blancas



Autor solitario y singular, su temática contenida por enigmas, misterios, melancolía y desolación le concede a sus obras una atmósfera axfisiante, oscura y silenciosa que conviene subrayar. 



De su serie "Árboles" : 




Primavera en Brabante, 1920

Troncos nudosos, 1938

Árboles en blanco y negro, 1944

Paisaje con árboles altos




Spilliaert confirma la práctica del autorretrato como memento mori. 












Llama la atención el tratamiento de la luz en sus paisajes brumosos y, más aún, en sus autorretratos, en los que el fondo goza de una inquietante refulgencia, formando un halo que acorrala la oscuridad de la rígida figura central. A juzgar por el modo como se representaba, Spilliaert era inclemente consigo mismo. Y tenía un agudo sentido de lo sobrenatural.













Estuvo fuertemente influido por el simbolismo, con su énfasis en la realidad subjetiva y estados de ánimo evocadores. Su obra representa con frecuencia una figura solitaria en un espacio onírico, y transmite una sensación de melancolía y el silencio.



Fuentes:




http://tunguska1.wordpress.com/

http://www.artepinturaygenios.com/

http://frayco.blogspot.com.es/

http://lostinmarienbad.blogspot.com.es/