PIETER BRUEGEL EL VIEJO - LA CAÍDA DE LOS ÁNGELES REBELDES - PANORAMA ALUCINANTE DE LA LOCURA HUMANA

"El mundo es un montón de heno, cada uno toma lo que puede tomar"

Proverbio flamenco

Este pintor del siglo XVI (Breda 1525/30 – Bruselas 1569) es uno de los más destacados representantes del costumbrismo de Flandes durante la etapa renacentista. Sus obras nos muestran escenas cotidianas, mitológicas y paisajes llenos del encanto de una bonita zona, en aquel tiempo provincia del imperio español, de la mano del cruel Duque de Alba y su sangrienta represión.

Bruegel toma como modelo a El Bosco y, aunque no es tan irónico ni tan sutil como él, resulta más cercano y comprensible. La interpretación de sus obras es fácil. 

La sociedad que le rodeaba aparece en todos sus aspectos, tanto la alegría (comidas, fiestas, bailes, juegos) como la desgracia (pobres, tullidos, vagabundos, etc).

La caída de los ángeles rebeldes, 1562

La caída de los ángeles rebeldes, de 1562, bien podría ser una obra contemporánea, repleta de seres monstruosos y animales híbridos. Aquí se pone de manifiesto el horror del hombre al enfrentarse a la oscuridad del mundo que vive, explotado e impotente, esclavo y con mucha rabia interior. Muestra un panorama alucinante de La Locura Humana. 

Se inspiró en la obra de su antepasado Hiëronymus Bosch, El Bosco. Se la considera una obra de influencia bosquiniana. 

Ángeles caídos que se van convirtiendo en grotescas figuras demoníacas. Bruegel redescubrió un mundo de seres fantasmasgóricos donde las aves, peces, sapos y otros animales se unían para llevarnos al mundo de los sueños terroríficos. 

En este universo de formas irreales también subyace una crítica burlesca a la patética vida del ser humano. 

Brueghel ofrece su visión del hombre, la miseria cotidiana, la locura y la enfermedad.

La caída de los ángeles rebeldes (detalle)

La caída de los ángeles rebeldes (detalle)

La caída de los ángeles rebeldes (detalle)

Contexto histórico del cuadro

No hay que olvidar la época en la que vivió el pintor, muy violenta, los momentos de paz son en realidad muy escasos, un periodo de tránsito entre la Edad Media y los comienzos de la Edad Moderna y que sufrió el azote de sucesivas plagas y epidemias, tan violentas que podían llegar a aniquilar poblaciones casi en su totalidad. 

A esto se añadía, además, el dominio de las guerras continuas por motivos de religión o poder y la transformación social que se produjo a raíz de la explotación del Nuevo Mundo. Años en los que la ciencia sufrió un avance vertiginoso, la religión católica perdió su posición dominante y el poder político (ejercido por el estado español), hubo de enfrentarse a la sublevación de los Países Bajos. Como ciudadano y artista del momento, la mirada de Bruegel muestra este periodo turbulento desde una óptica en la que se mezcla lo urbano y lo rural, la clase más pudiente y el pueblo raso.

Más detalles a gran escala del cuadro:

Fuentes:


http://www.aparences.net/es/

http://panicattic.blogspot.com.es/

http://museodelarte.blogspot.com.es/

http://arelarte.blogspot.com.es/

LAS COSAS QUE MUEREN NO TORNAN JAMÁS - ALFONSINA STORNI - ¡ADIÓS!

Guillermo Martí Ceballos, http://www.gmarticeballosart.com/

¡Adiós! Las cosas que mueren jamás resucitan, las cosas que mueren no tornan jamás, se quiebran los vasos y el vidrio que queda ¡es polvo por siempre y por siempre será! Cuando los capullos caen de la rama dos veces seguidas no florecerán Las flores tronchadas por el viento impío ¡se agotan por siempre, por siempre jamás! Los días que fueron, los días perdidos, los días inertes ya no volverán. ¡Qué tristes las horas que se desgranaron bajo el aletazo de la soledad! 

Alfonsina Storni

GEORGES SEURAT - PINTOR POST-IMPRESIONISTA Y EL PADRE DEL DIVISIONISMO (puntillismo)

Georges Seurat es la principal figura del neoimpresionismo, divisionismo o puntillismo, que aspira a establecer un entendimiento entre el arte y la ciencia. Seurat es el punto de partida de una corriente reflexiva donde estará también Cézanne.

Un baño en Asnières, 1883

En la primavera de 1883, Seurat empezó a trabajar en su primer cuadro de gran formato, Un baño en Asnières, una composición de dos por tres metros. 

El motivo impresionista de la escena del baño adquiere en este cuadro un tamaño monumental. Las figuras miran hacia la cercana isla de la Grande Jatte, lugar que se convertiría en el escenario de su próximo cuadro de gran formato. La obra presenta ya los rasgos fundamentales el estilo de Seurat: vegetación, agua y lejanía vibran y sus contornos se bañan en una atmósfera impresionista, pero las figuras humanas se dibujan con un perfil neto. Sus posturas no son casuales.

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884

Seurat tardó dos años en acabar esta pintura monumental. Obra de una asombrosa madurez para un hombre que aún no había cumplido los 30 años. Representa, al igual que en “Un baño en Asnières”, un rato de ocio de los parisienses en un paraje a las afueras, junto al Sena. Pero si los protagonistas de "Un baño en Asnières" eran proletarios, en la Grande Jatte se mezclan burgueses y empleados.

El paisaje y las figuras fueron construidos con la técnica, característica de su autor, de la aplicación del color en estado puro. Seurat evitaba el término puntillismo y empleaba el de divisionismo. Los colores se aplican sobre el lienzo a base de pinceladas muy menudas (no siempre puntos) de tal manera que contemplados a la distancia oportuna se combinan en la retina.

El Sena en Courbevoie, 1885

Pose de Perfíl, 1887

Las modelos o Las presumidas, 1887

La parada del circo, 1888

La Torre Eiffel, 1889

Mujer empolvándose, 1889-90. Es uno de los pocos retratos realizados por Seurat. Ella era su compañera Madeleine Knobloch.

Sus cuadros son muy trabajados, sólo realizables por personas del carácter de Seurat, muy metódico y retraído. Seurat está en el punto de arranque de una tendencia analítica dentro de la obra de arte. Ajusta el motivo representado a una estructura previa (según un ritmo establecido de origen renacentista: la razón áurea) de diagonales y formas geométricas. Trabaja por zonas, por días. Está muy lejos de la inmediatez y fugacidad de los impresionistas. Desea poner distancia con los impresionistas, por lo que abandona la pintura al aire libre.

Le chahut, 1890

El circo, 1891

Detalle de La parada del circo

Mujer con sombrilla, 1885

Estudio de modelo, 1889

Palacio de Avignon, 1990

Mujer sentada, 1883

El jardinero, 1882

Georges-Pierre Seurat, (París, 2 de Diciembre de 1859/29 de Marzo de 1891). Nacido en el seno de una familia humilde, gracias a a sus innatas actitudes, desde muy temprana edad desarrollo su faceta artística realizando diversos dibujos bajo la dirección del ilustre escultor Lequien. Además, más adelante ingresó en la Escuela de Bellas Artes y en el estudio taller de Lehmann donde recibió un notable influjo de estilo clásico de Jean Auguste Ingres. Aunque, su mayor interés recaía en Eugéne Delacroix, al cual visitaba asiduamente en el Louvre parisino. Finalizada su etapa académica, comienza su interés por el estudio de la luz.

De mente abierta y un espíritu inquieto, dotado para la investigación, tras una época basada en el juego con otras técnicas pictóricas, Seurat cree conveniente ligar su trabajo al llamado "contraste simultáneo" consistente en concederle una importancia capital a la luz gracias a un uso medido de las sombras y al contraste recíproco entre los dos valores, una mezcla óptica sensacional. 

No obstante, pese a ser un virtuoso y prolífico genio, no obtuvo el reconocimiento del tiempo al que perteneció. Le dieron la espalda hasta sus colegas de profesión, siendo únicamente Camille Pissarro quien dio un giro a su carrera y de manera temporal practicó su novedosa técnica. De esta manera, su presencia en la octava exposición de pintores impresionistas o en el segundo Salón de los independientes en Bruselas, ambas en 1886, resultó ser un rotundo fracaso crítico y comercial. Ni la deliciosa obra: Un domingo de verano en la Grande Jatte, expuesta en sendas muestras le otorgó el justo prestigio del que era merecedor.

Incluso Claude Monet (quien lo calificó de pintamonas) o Renoir, se negaron a exponer con él. 

Falleció a los 31 años de edad, dejando a modo de testamento una ingente cantidad de bocetos y dibujos (elaborados mediante la ténica de coloreado transparente sobre papel rugoso) a punto de finalizar. Su rigor técnico influyó visiblemente en los pintores fauvistas, mientras que sus atractivos conocimientos teóricos sirvieron de apoyo y sedujeron al grupo de los cubistas, debido en gran parte a su medida geometrización en las figuras.

Puerto de Gravelines Channel 1890

Un domingo en el puerto de Bessin

“El arte es armonía. La armonía es la analogía de los contrarios, y de similares elementos del tono, del color, y de la línea, considerados a través de su dominancia y bajo la influencia de la luz en combinaciones alegres, serenas o tristes”

Fuentes:
http://www.theartwolf.com/
http://arte-historia.com/
http://www.arteespana.com/
http://www.artepinturaygenios.com/

PACA AGUIRRE - UN MAR, UN MAR ES LO QUE NECESITO

Robert Fowler

Un mar, un mar es lo que necesito.
Un mar y no otra cosa, no otra cosa.
Lo demás es pequeño, insuficiente, pobre.
Un mar, un mar es lo que necesito.
No una montaña, un río, un cielo.
No. Nada, nada,
únicamente un mar.
Tampoco quiero flores, manos,
ni un corazón que me consuele.
No quiero un corazón
a cambio de otro corazón.
No quiero que me hablen de amor
a cambio del amor.
Yo sólo quiero un mar:
yo sólo necesito un mar.
Un agua de distancia,
un agua que no escape,
un agua misericordiosa
en que lavar mi corazón
y dejarlo a su orilla
para que sea empujado por sus olas,
lamido por su lengua de sal
que cicatriza heridas.
Un mar, un mar del que ser cómplice.
Un mar al que contarle todo.
Un mar, creedme, necesito un mar,
un mar donde llorar a mares
y que nadie lo note.

Francisca Aguirre

ANNE SEXTON - DESEANDO MORIR

Emile Nolde

Ahora que lo preguntas,

la mayor parte de los días no puedo recordar.

Camino vestida, sin marcas de ese viaje.

Luego la casi innombrable lascivia regresa.


Ni siquiera entonces tengo nada contra la vida.

Conozco bien las hojas de hierba que mencionas,

los muebles que has puesto al sol.


Pero los suicidas poseen un lenguaje especial.

Al igual que carpinteros, quieren saber con qué herramientas.

Nunca preguntan por qué construir.


En dos ocasiones me he expresado con tanta sencillez,

he poseído al enemigo, comido al enemigo,

he aceptado su destreza, su magia.


De este modo, grave y pensativa,

más tibia que el aceite o el agua,

he descansado, babeando por el agujero de mi boca.


No se me ocurrió exponer mi cuerpo a la aguja.

Hasta la córnea y la orina sobrante se perdieron.

Los suicidas ya han traicionado el cuerpo.


Nacidos sin vida, no siempre mueren,

pero deslumbrados, no pueden olvidar una droga tan dulce

que hasta los niños mirarían con una sonrisa.


¡Empujar toda esa vida bajo tu lengua!

que, por sí misma, se convierte en pasión.

La muerte es un hueso triste, lleno de golpes, dirías,


y a pesar de todo ella me espera, año tras año,

para reparar delicadamente una vieja herida,

para liberar mi aliento de su dañina prisión.


Balanceándose allí, a veces se encuentran los suicidas,

rabiosos ante el fruto, una luna inflada,

Dejando el pan que confundieron con un beso

Dejando la página del libro abierto descuidadamente

Algo sin decir, el teléfono descolgado

Y el amor, cualquiera que haya sido, una infección.


(Traducción: Griselda García)

Anne Sexton (1928-1974) fue una poeta confesional extraña y de éxito. Rebelde y atormentada, de carácter depresivo, inconformista y culturalmente inquieta. Pero deliciosa, sensible, generosa y dulce, ¡me encanta!

La vida de Anne Sexton, desde su temprana juventud hasta su suicidio a los 46 años, está fuertemente marcada por su obsesivo temperamento. Dicen que empezó a escribir poesía por recomendación de su psicoanalista. Hija de un viajante de lanas maltratador, víctima de la pesadilla americana, ama de casa cansada y casada con otro maltratador… Excesiva, alcohólica, depresiva y embarcada en una montaña rusa de suicidios fallidos, hospitales y amantes. En 1957 conoció a la también poetisa Silvia Plath, y a partir de entonces sus vidas se unieron en una relación que lindaba la identificación mutua y la rivalidad poética. 

*.- Su poesía es fuertemente autobiográfica y en ella aborda temas tabúes para la puritana sociedad estadounidense como la menstruación, el adulterio, el incesto, la masturbación, el aborto, la drogadicción o la homosexualidad.

RETRATO DE MADAME X - JOHN SINGER SARGENT

En el París de la Belle Époque, el pintor John Singer Sargent (1856-1925) produjo contra su voluntad, un sonado escándalo a raíz del retrato titulado Madame X.

Os explico:

Retrato de Madame x o de Madame Virginie Avegno Gautreau

En cuanto el pintor Sargent conoció a Madame Gautreau, ofreció al marido inmortalizarla "en el esplendor de su belleza" mediante un retrato de gran formato. El banquero, sintiéndose halagado, accedió.  Ella posó para el pintor en el castillo que el banquero tenía en la campiña de Bretaña. El vestido elegido para modelar fue uno de amplísimo escote, de color negro, para resaltar al máximo la espléndida blancura de su tez. Así, cuando Sargent concluyó el retrato, de 2 metros de alto, en 1884 , lo inscribió para exposición en el Salón de la Pintura Parisina.

Así nos lo explica el gran Isaac Asimov:

"Cuando la belleza más célebre de París, Madame Virginie Avegno Gautreau, fue presentada por el pintor realista John Singer Sargent en su obra maestra Madame X, exactamente como era, superficial, egocéntrica, vestida de manera inmodesta, el público se escandalizó, Madame Gautreau se puso histérica, y el pintor fue obligado a retirarse a Londres" . 

"A veces, insinuar es más pecaminoso que enseñar... Pese a que Manet ya hubiese pintado y mostrado desnudos femeninos, el retrato de una mujer vestida con un largo vestido negro alborotó, durante la primavera del año 1884, a la mojigata moral burguesa de la Tercera República francesa. 

El cuadro de dos metros de alto representa (delante de la oscuridad del fondo parduzco) a una veinteañera de elegante figura, de pie y apoyándose sobre una mesa de estilo Imperio con su mano derecha, mientras con la otra se sube el bajo de su larga falda de raso negro. El corpiño, inusualmente sin camisola, de terciopelo y donde se aprecia su pronunciado y generoso escote y con una llamativa cintura de «avispa», contrasta con la palidez de su blanquecina piel. Y con tirantes de pedrería, uno de los cuales se desliza sensualmente por su hombro derecho, da el aspecto que va ha desprenderse 

del vestido fácilmente, en el acto. Parece que invita a ser seducida, para yacer posteriormente con ella. Con el rostro de la modelo de perfil hacia su izquierda, da una sensación atrayente y provocativa, y a la vez, es distante y altiva. Supuso la condena y el ostracismo de sus protagonistas: el pintor y su musa." 

"Para la época, finales del siglo XIX, fue una bofetada primero para la burguesía y segundo a esa gente que sufría de penurias económicas en esa Europa pre revolución industrial. Presentó el cuadro en la exposición de 1888 en Paris con el título de “Madame Pierre Gautreau”, siendo tal el clamor popular por tan “descabellado” retrato que Sargent decidió retirarlo de la muestra. Años más tarde, 1916, cuando vendió la pintura al Museo de Arte Metropolitano de Nueva York le cambió el nombre por el de: “Madame X”, repintando el tirante sobre su hombro derecho para tratar de poner fin al escándalo. La foto de abajo es como se veía el cuadro el día de la exposición parisina, antes del cambio en el tirante."

Isaac Asimov. 

Todo por "el tirante caído"

Foto original del cuadro

La prensa formuló una pregunta envenenada: "¿El retrato representa el instante previo a la caída del vestido?". La identidad de la modelo se reconoció al instante (la X no había servido de nada). Los periódicos fueron implacables: "¿Cómo permitió el banquero Gautreau que su mujer posara semidesnuda durante largas sesiones, ante otro hombre ?" 

El pintor en su taller recomponiendo el famoso tirante, 1884

John Singer Sargent. (Florencia, 1856-Londres, 1925), autorretrato

El retrato que hace Sargent de Madame x, en 1884, que fue uno de los favoritos del artista, es considerado actualmente uno de sus mejores trabajos. Sin embargo, al vetar sus obras en una exposición del Salón de París (1884) provocó que Sargent se fuera a vivir a Londres y, además, decidió retratar sólo a las bellezas exóticas de la época, como Rosina Ferrara de Capri o la modelo española expatriada Carmela Bertagna. 

A lo largo de su carrera, Sargent creó más de 900 óleos y más de dos mil acuarelas, así como una cantidad innumerable de esbozos al carbón. Alrededor de 1910 Sargent se empezó a especializar en la pintura de paisajes. Como concesión a la insaciable demanda de retratos, siguió haciéndolos, en forma de rápidos esbozos al carboncillo, que él llamó "Mugs". 

En los tiempos en los que el arte se divide en estilos bien característicos, como el Impresionismo, el Fauvismo y el Cubismo, Sargent practicaba el Realismo, que toma como referencia a Velázquez.

Fuentes:

http://falconvoy.blogspot.com.es/
http://arocenablow.blogspot.com.es/