TRES POEMAS DE MARIO BENEDETTI, JUNTO AL EXTRAORDINARIO LIRISMO DE RICHARD DIEBENKORN

"Que entren amor y odio y voz y gritos
que venga la tristeza con sus brazos abiertos
y la ilusión con sus zapatos nuevos
que venga el frío germinal y honesto
y el verano de angustias calcinadas
que vengan los rencores con su niebla
y los adioses con su pan de lágrimas
que venga el muerto y sobre todo el vivo
y el viejo olor de la melancolía .. "

(M. Benedetti, fragmento de su poema "Contra los puentes levadizos")

Richard Diebenkorn

El amor es un centro

Una esperanza un huerto un páramo
una migaja entre dos hambres
el amor es campo minado
un jubileo de la sangre
cáliz y musgo / cruz y sésamo
pobre bisagra entre voraces
el amor es un sueño abierto
un centro con pocas filiales
un todo al borde de la nada
fogata que será ceniza
el amor es una palabra
un pedacito de utopía
es todo eso y mucho menos
y mucho más / es una isla
una borrasca / un lago quieto
sintetizando yo diría
que el amor es una alcachofa
que va perdiendo sus enigmas
hasta que queda una zozobra
una esperanza un fantasmita.

Richard Diebenkorn

Arcoíris

A veces
Por supuesto
Usted sonríe
Y no importa lo linda
O lo fea
Lo vieja
O lo joven
Lo mucho
O lo poco
Que usted realmente
Sea

Sonríe
Cual si fuese
Una revelación
Y su sonrisa anula
Todas las anteriores
Caducan al instante
Sus rostros como máscaras
Sus ojos duros
Frágiles
Como espejos en óvalo
Su boca de morder
Su mentón de capricho
Sus pómulos fragantes
Sus párpados
Su miedo

Sonríe
Y usted nace
Asume el mundo
Mira
Sin mirar
Indefensa
Desnuda
Transparente

Y a lo mejor
Si la sonrisa viene
De muy
De muy adentro
Usted puede llorar
Sencillamente
Sin desgarrarse
Sin desesperarse
Sin convocar la muerte
Ni sentirse vacía

Llorar
Sólo llorar

Entonces su sonrisa
Si todavía existe
Se vuelve un arco iris.

Richard Diebenkorn

Cotidiana II

Cuando a uno lo expulsan
A patadas del sueño
El amanecer es siempre una modorra
Se emerge de ese ensayo de muerte
Todavía sellado por la víspera
Si fue de odios con rezagos de odio
Si fue de amor con primicias de amor

Pero el día empieza a convocarnos
Y es distinto de todos los demás
Tiene otra lluvia otro sol otra brisa
También otras terribles confidencias

Así empieza el diálogo con la jornada
La discusión el trueque de rencores
Y de pronto el abrazo
Porque hay días repletos de soberbia
Días que traen mortales enemigos
Y otros que son los compinches de siempre
Días hermanos que nos marcan la vida

Así ocurren sabores
Sinsabores
Manos que son cadenas
Mujeres que son labios
Ojos que son paisaje

Y cuando al fin lo expulsan
A uno de la vigilia
Se emerge de ese ensayo de la vida
Con los ojos cerrados
Y despacito
Como buscando el sueño o la cruz del sur
se entra a tientas en la noche anónima.

Mario Benedetti

Richard Diebenkorn

Richard Diebenkorn, (1922-1993), pintor expresionista/abstracto americano. Vivió esos momentos en la vida de EEUU, en donde, unos pintores exaltaban lo bonito y lo que el público quería ver, pintaban una crónica de la vida perfecta y armoniosa, es decir, la realidad inexacta, los paisajes paradisíacos llenos de personas felices y siempre en perpetua sonrisa, y los otros (entre ellos él), que pintaban la individualidad y soledad del ser humano, la supervivencia a un país lleno de hambruna y desigualdad, la miseria que se vivía en esos años en N.Y. (1930). 

Diebenkorn definió su pintura como "Ia tensión bajo la calma". En sus cuadros se cruzan el neoimpresionismo, el fauvismo, el realismo americano, la creación abstracta y la figurativa.

Os dejo algunas de sus obras que más me gustaron:

GUSTAVE MOREAU - PINTOR PRECURSOR DEL SIMBOLISMO (AMBIENTACIÓN MITOLÓGICA)

Gustave Moreau (París-1826/París-1898), formado en el Romanticismo y con un profundo conocimiento de los pintores italianos del Renacimiento, desarrolló un estilo personal con el que se anticipó al simbolismo francés de finales del siglo XIX. 

Desde el punto de vista pictórico configuró un estilo muy libre. Modificó la técnica académica, trabajó el pigmento con texturas muy gruesas, por lo que la superficie resulta irregular. Practica cortes bruscos de color. En algunos fragmentos casi se ve un antecedente de la abstracción por su pincelada y uso del color. 

Algunas características que pueden considerarse generales en sus obras son:

Pintura de corte literario, recreando mundos orientales como Bizancio o Persia. 

Presencia de lo amenazante, hay tensión y angustia. 

Ambientación mitológica. 

Técnica audaz. 

El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes.

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales.

Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación.

Prestan especial atención a la forma, pero la ponen al servicio de unos ideales que van más allá de la pura apariencia. Plasman sus sueños y fantasías por medio de la alusión al símbolo y a una rica ornamentación. A veces utilizan colores fuertes para resaltar el sentido onírico de lo sobrenatural. Puede decirse que es una pintura de ideas, sintética, subjetiva y decorativa. Los precursores de esta nueva pintura son Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon. 

El artista simbolista buscará el arte por el arte, la plasmación de la belleza que sublime la muerte, la enfermedad, lo grotesco, lo demoníaco, lo feo. Busca, como referentes, períodos decadentes de las antiguas civilizaciones romana y bizantina. Desea apartarse de la realidad que no le gusta, que es burda, cotidiana, débil, enferma. Tenderá hacia lo espiritual y ello le llevará al estudio de fenómenos sobrenaturales, de lo diabólico y satánico, de lo hermético, de la magia y el ocultismo.

La aparición 1874-1876. Forma parte del ciclo de las pinturas dedicadas a Salomé, mujer fatal, símbolo de la mujer atractiva, decadente y perversa que lleva a la perdición al hombre, a su muerte. Se conecta con la relación apasionada entre Amor-Muerte. Se reconstruyen atmósferas densas que recuerdan a Rembrandt. 

La obra de Moreau está a caballo entre el Romanticismo y el Simbolismo. Aunque es frecuente incluir a Moreau en la nómina de los pintores simbolistas, su obra se anticipó en varias décadas a la proclamación oficial del movimiento por Jean Moréas en 1886. 

En las primeras obras de Moreau son destacables las influencias de Ingres, en el tratamiento de la anatomía, especialmente masculina, y de Delacroix, en cuanto a la elección de temáticas exóticas, a través de su mentor Théodore Chassériau, quien había sido discípulo de ambos.

Con el tiempo, la obra de Moreau va concediendo menor importancia a la línea y más al colorido. De su última etapa, se conserva en el museo Moreau una serie de acuarelas que la crítica contemporánea considera muy próximas a la abstracción. 

En 1891 sucedió a su amigo Elie Delaunay, tras su fallecimiento, como profesor en la Escuela de Bellas Artes de París. Desde 1891 hasta su muerte, Moreau fue profesor de varios futuros artistas, entre los que se cuentan pintores tan célebres como Henri Matisse, Albert Marquet y Georges Rouault, entre otros. 

Puede considerarse precursor del Simbolismo. Su influencia es decisiva en artistas emblemáticos del movimiento como Odilon Redon.

Su obra posee una textura onírica que hizo que fuese revalorizada, ya en el siglo XX, por los surrealistas. 

Obras más conocidas suyas:

Hércules y la Hidra de Lerna (1876). Moreau representa, muy a su estilo, una de las hazañas del héroe mitológico. La Hidra, engendro de muchas cabezas, asolaba la región de Lerna. El poderoso Hércules, para cumplir con uno de sus trabajos, tenía que vencer a tan temible monstruo. De inicio, Hércules combate sin éxito ante la bestia. Al final y con el auxilio de su amigo Yolao, el héroe logra abatir a la Hidra. Posteriormente, Hércules aprovecha para mojar sus saetas con el veneno de la sangre del monstruo vencido. 

Edipo y la Esfinge (1864), representa el enfrentamiento entre el joven tebano y el monstruo de cabeza femenina de quien nadie lograba escapar vivo a sus enigmas. 

Edouard Schuré le dedicó estas líneas en su libro "Précurseurs et révoltes" de 1904:

"Apoyado en su lanza, la espalda en la roca, un pie al borde del abismo, el atleta pensador, delgado y musculoso, está en coloquio con la Esfinge. Pues es una Esfinge hembra la que ha concebido la leyenda tebana. Se ha subido a él". 

Sus garras traseras se enganchan a sus muslos, sus garras delanteras surcan su pecho. Su grupa de leona se arquea, sus dos alas se yerguen, su seno de mujer apunta al corazón del héroe, y su perfil fugitivo, irónico, agresivo, le interroga, le plantea la cuestión. Lleva una corona. Pues, desde tiempos inmemoriales, la Naturaleza temible, seductora, insondable, es la reina del hombre. De todos aquellos a los que ha dicho "¿cuál es la palabra de mi enigma?", nadie ha sabido responder. 

A todos les ha destrozado y han caído al abismo. Pero Edipo, a su máscara terrible, a su mirada aguda, responde: "¡La palabra de tu enigma es el hombre, soy yo! Yo te llevo en mí mismo con un dios además: mi conciencia y mi voluntad. Con este dios te mido desde la grupa a la cabellera y desde los ojos al fondo de las entrañas". 

Y la Esfinge, vencida por el Hombre, no tiene más que arrojarse a su abismo. Así la Naturaleza, penetrada en la jerarquía de sus fuerzas, es vencida por el Hombre que la resume y la sobrepasa con el pensamiento. He aquí lo que dice Edipo de Moreau con la limpidez incisiva de un bajorrelieve antiguo". 

Samson y Dalila 

Salomé bailando la danza de los siete velos ante Herodes 

Kleopatra 

Desdémona 

Salomé (detalle) 

Dalila 

Hesíodo y su musa 

Prometeo, 1.868. 

El retorno de los Argonautas 

Parte del texto e imágenes:


http://aura-archangemaudit.blogspot.com.es/
http://www.arteespana.com/simbolismo.htm

CARLOS DRUMMOND DE ANDRADE - CUATRO POEMAS INMENSOS

"El mundo es grande y cabe 

en esta ventana sobre el mar.
El mar es grande y cabe
en la cama y en el colchón de amar.
El amor es grande y cabe
en el breve espacio de besar"

George Tooker

* Congreso internacional del miedo

Por el momento no cantaremos el amor,

que se refugió debajo de los subterráneos.

Cantaremos el miedo que esteriliza los abrazos

No cantaremos el odio porque el odio ya no existe,

existe solamente el miedo, nuestro padre y nuestro compañero,

el miedo grande de los bosques, de los mares, de los desiertos,

el miedo de los soldados, el miedo de las madres, el miedo de las iglesias,

cantaremos el miedo de los dictadores, el miedo de los demócratas,

cantaremos el miedo de la muerte y el miedo de después de la muerte,

después moriremos de miedo

y sobre nuestras tumbas crecerán flores amarillas y miedosas.

George Tooker

* Reconocimiento del amor

Amiga, cómo carecen de norte
los caminos de la amistad.
Apareciste para ser el hombro suave
donde se reclina la inquietud del fuerte
(o que ingenuamente se pensaba fuerte).

Traías en los ojos pensativos
la bruma de la renuncia:
no querías la vida plena,
tenías el previo desencanto de las uniones para toda la vida,
no pedías nada,
no reclamabas tu cota de luz.

Y te deslizabas en ritmo gratuito de ronda.
Descansé en ti mi fajo de desencuentros
y de encuentros funestos.
Quería tal vez -sin percibirlo, lo juro-
sádicamente masacrarte
bajo el hierro de culpas y vacilaciones y angustias que dolían
desde la hora del nacimiento,
estigma desde el momento de la concepción
en cierto mes perdido en la Historia,
o más lejos, desde aquel momento intemporal
en que los seres son apenas hipótesis no formuladas
en el caos universal.

¡Cómo nos engañamos huyéndole al amor!

Cómo lo desconocimos, tal vez con recelo de enfrentar
su espada reluciente, su formidable
poder de penetrar la sangre y en ella
imprimir una orquídea de fuego y lágrimas.

Pero, él llegó mansamente y me envolvió
en dulzura y celestes hechizos.
No quemaba, no brillaba, sonreía.
No entendí, tonto que fui, esa sonrisa.

Me herí con mis propias manos, no por el amor
que traías para mí y que tus dedos confirmaban
al juntarse a los míos, en la infantil búsqueda del Otro,
el Otro que yo me suponía, el Otro que te imaginaba,
cuando -por agudeza del amor- sentí que éramos uno sólo.

Amiga, amada, amada amiga, así el amor
disuelve el mezquino deseo de existir de cara al mundo
con la mirada perdida y la ancha ciencia de las cosas.

Ya no enfrentamos al mundo: en él nos diluimos,
y la pura esencia en que nos transmutamos perdona
alegorías, circunstancias, referencias temporales,
imaginaciones oníricas,el vuelo del Pájaro Azul, la aurora boreal,
las llaves de oro de los sonetos y de los castillos medievales,
todos los engaños de la razón y de la experiencia,
para existir en sí y para sí,
con la rebeldía de cuerpos amantes,
pues ya ni somos nosotros,
somos el número perfecto: Uno.

Tomó su tiempo, yo se, para que el «Yo» renunciase
a la vacuidad de persistir, fijo y solar,
y se confesara jubilosamente vencido,
hasta respirar el más grande júbilo de la integración.

Ahora, amada mía para siempre,
ni mirada tenemos para ver, ni oídos para captar la melodía,
el paisaje, la transparencia de la vida,
perdidos como estamos en la concha ultramarina de mar.

Carlos Drummond de Andrade (Itabira, Octubre 31, 1902 - Río de Janeiro, 17 de agosto de 1987), fue un poeta, periodista y político brasileño. 

Ejerció en su país primero y luego en el mundo la representación de los altos valores del modernismo de Brasil (nacionalismo no dogmático, empatía con el pueblo, creatividad no académica y libertad total a la palabra). En su momento no tembló su conciencia al renunciar a un importantísimo premio nacional que iba acompañado de una gran cantidad de dinero ya que éste era otorgado por el entonces gobierno militar de su país.

Desde sus primeros libros la poesía de Drummond se destacó del resto; es un obsequio verbal de la más alta calidad; es auténtica, legítima y grande. Siempre mantuvo una estrecha relación con la gente ejerciendo el poema y su prosa de prensa. Este enorme autor brasileño (tiene 28 libros de poesía editados) es considerado por la crítica como uno de los mayores poetas del Brasil.

Murió el 17 de agosto de 1987 en la ciudad de Río de Janeiro. Alcanzó gran repercusión con sus libros y a pesar de haber sido un fuerte candidato al Premio Nobel de Literatura rechazó cualquier indicación al Premio.

George Tooker

* Los hombros soportan el mundo

Llega un tiempo en el que ya no se dice: Dios mío.

Tiempo de absoluta depuración.

Tiempo en el que ya no se dice: amor mío.

Porque el amor resultó inútil.

Y los ojos no lloran.

Y las manos tejen apenas el trabajo rudo.

Y el corazón está seco.

En vano mujeres llaman a la puerta, no abrirás.

Te quedaste solo, la luz se apagó,

pero en la sombra tus ojos resplandecen enormes.

Eres todo certeza, ya no sabes sufrir.

Y nada esperas de los amigos.

Poco importa que venga la vejez, ¿qué es la vejez?

Tus hombros soportan el mundo

y él no pesa más que la mano de un niño.

Las guerras, las hambres, las discusiones dentro de los edificios

demuestran apenas que la vida prosigue

y no todos se liberaron todavía.

Algunos, considerando el bárbaro espectáculo,

preferirían (los delicados) morir.

Ha llegado un tiempo en el que de nada sirve morir.

Ha llegado un tiempo en el que la vida es una orden.

La vida apenas, sin mistificación.

(Traducción de Adolfo Montejo Navas)

George Tooker

George Tooker, (1920-2011) fue un pintor americano cuyas obras están asociados con los movimientos y el realismo social.

El trabajo Tooker no era especialmente conocido, mientras que la CIA patrocinó pseudo-artistas como Mark Rothko y Jackson Pollock, a Tooker  se le ha reconocido con el  tiempo ya que, muy posiblemente, sea el más grande artista americano. El hecho de que no haya sido reconocido antes sugiere que su arte toca un nervio muy sensible.

Sus primeras obras representan cuestiones sociales y públicas, y subraya la soledad y alienación de la existencia urbana moderna.

Entre sus más conocidas obras está la del metro (1950, Museo Whitney de Arte Americano), una poderosa obra que explora la ansiedad y el aislamiento de las personas sin nombre en la sociedad urbana. Él estaba muy involucrado con el movimiento de derechos civiles, así, estuvo en una marcha, en Selma, Alabama, con el Dr. Martin Luther King en 1965, eran amigos y con frecuencia trataron temas de raza y de la opresión en su obra.

Tooker es a menudo comparado con Edward Hopper, Andrew Wyeth, y Samuel Beckett, en términos de sus temas y el estilo visual.

Fuente de la biografía de Drummond:

http://eltriunfodearciniegas.blogspot.com.es/2014/01/carlos-drummond-de-andrade.html

Fuente de la biografía de Tooker:

http://www.dailyartfixx.com/

GABRIELLE MÜNTER - PINTORA EXPRESIONISTA Y VANGUARDISTA ALEMANA

Gabriele Münter, pintora alemana nacida en Berlín el 19 de febrero de 1877 y fallecida en Murnau (Bavaria) el 19 de mayo de 1962. 

"Una mujer artista en un mundo de hombres"

Fue una de las pocas figuras femeninas vinculadas al desarrollo del expresionismo alemán. Alumna, colaboradora y compañera sentimental de Wassily Kandinsky, participó activamente en diversos movimientos artísticos muniqueses como Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

Para entender cómo la guerra cambio el mundo del arte, hay que situarse en el periodo previo a 1914, la época dorada de los vanguardistas internacionales. Superando fronteras y barreras idiomáticas, cooperaban creando redes internacionales y buscando nuevas formas de expresión. Pero mientras los artistas revolucionaban el mundo del arte, los políticos europeos dirigían a sus países hacia la colisión.

Autorretrato

*.- Der Blaue Reiter: “(El Jinete Azul en español) 

En Munich durante 1911, Wassily Kandinsky y Franz Marc fundan el grupo del Jinete azul. El nombre proviene de una conversación entre los dos miembros originales, debido a su predilección por el azul y el simbolismo de dicho color.

La composición del grupo fue heterogénea; formado por los rusos Kandinsky y Jawlensky, los alemanes Marc y Macke y el austriaco Kubin. 

Como colectivo tienen claros sus objetivos, los une la aspiración de hacer visible, no la experiencia del mundo natural, sino la experiencia interior y la vida espiritual que la sociedad contemporánea tendía a silenciar, pero dejan libertad total a sus componentes, de ahí las diferencias existentes en sus obras. El grupo reivindica la autonomía del arte, y ser capaces de establecer unas bases que sean comunes para todas las artes. Combaten el clasicismo con las formas y suprimen la separación entre el arte popular y el académico (Influidos por las estéticas rusas). Se orientan a coordinar y apoyar toda clase de corrientes y estilos que se encaminen hacia la libertad, la espiritualidad y la autonomía de la forma y el color. Su modelo es la música, el arte más abstracto y el que menos referencia toma del exterior. En 1913, se produce su disolución.

   

También formaron parte del grupo, entre otros, August Macke, Gabriele Münter, Alexei von Jawlensky, Marianne von Werefkin y Paul Klee. A todos ellos les unía su interés común por el Arte medieval y primitivo así como los movimientos coetáneos del Fauvismo y el Cubismo.

Gabriele Münter con Wassily Kandinsky, y portada del Almanaque de El Jinete Azul, 1912

Kandinsky pintado por Gabrielle, 1906

Autorretrato, 1909

Retrato de Gabriele Münter 
Obra de Vasily Kandinsky, 1905

Paseos en barco, 1912

Enferma

Kandinsky y Erma Bossi después de cenar

Interior, 1908

Las escuelas de Murnau, 1908

Habitación en Murnau

Villa en invierno

Durante su primera estancia en París en 1906/07, Münter ve los cuadros de Henri Matisse y otros fauvistas, lo que cambia su estilo a largo plazo. En 1909 compra una casa en Murnau donde pasa los veranos con Kandisnky y donde reciben a numerosos artistas del vanguardismo muniqués como Alexei von Jawlensky, Franz Marc, August Macke y el compositor Arnold Schönberg.

"Fue una época creativa maravillosa, interesante y feliz en la que discutíamos mucho sobre arte", recordaría Münter posteriormente. "Todos nos esforzábamos mucho y todos maduramos (desde el punto de vista artístico). Yo hice montones de estudios. Hubo días en que hice cinco estudios (sobre cartones de 33 x 41), muchos en los que hice tres y unos cuantos en los que no pinté nada. Todos trabajamos mucho".

Acercándose

Paisaje con nubes

Junto a él visitó Túnez, Bélgica, Italia y Austria, para volver a Berlín en 1908 y establecerse finalmente en Múnich. 

Artísticamente, Münter comienza a desarrollar un estilo abstracto propio, con brillantes colores sin mezclar, formas fuertes, todo delineado por oscuras lineas de separación. Se convierte en miembro fundadora de la Neue Künstlervereinigung München (Nueva union de artistas de Múnich) iniciada por Kandinsky y que incluía el núcleo de los artistas del Blaue Reiter.

Retrato de Marianne von Werefkin, 1911.

Autorretrato

Retrato de Marianne von Werefkin, 1909

Mujer reflexionando, 1917

El desayuno de los pájaros, 1937

Escuchando

JAWLENSKY & WEREFKIN
1908-1909

Máscara negra con rosas

Paisaje costero

Tras participar durante 1909 y 1910 en las exposiciones de la Neue Künstlervereinigung de Múnich, abandonó esta asociación a la vez que Kandinsky y Franz Marc para participar en las exposiciones y la creación del almanaque de Der Blaue Reiter. En 1914, con motivo del comienzo de la Primera Guerra Mundial, Münter se trasladó con Kandinsky a Suiza. 

La relación con Kandinsky finalizaría poco después. Concluida la guerra, Münter regresó a Murnau que sería desde entonces su lugar de residencia. En 1927 conoció al filósofo e historiador del arte Johannes Eichner, al que permaneció unida hasta la muerte de éste. Cuando tras la Segunda Guerra Mundial surgió un renovado interés por el expresionismo alemán, se comenzó a reivindicar la relevancia de esta artista.

Sólo tras una larga estancia en París en 1929/30, su actividad creativa coge nuevo impulso.

Tres vírgenes con ramas oscuras

En 1932 regresa a su casa en Murnau donde vive con el historiador de arte, Johannes Eichner. Durante este período pinta sobre todo flores y obras abstractas. En 1937 los nazis le prohiben exponer, por lo que se retira de la vida pública. 

Durante la Segunda Guerra Mundial Gabriele Münter escondió más de 80 obras de Kandinsky y de otros miembros del Blaue Reiter, además de obras propias, salvándolas de la destrucción. Estas pinturas se las regaló en 1957 a la ciudad de Múnich, donde ahora son exhibidas en la Lenbachhaus, que de golpe, se convirtió en un importante museo. Su casa en Murnau es hoy en día también museo.

Parte del texto y muchas imágenes las saqué de http://www.museothyssen.org/