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lunes, 28 de agosto de 2017

CHARLES CAMOIN - PINTOR FAUVISTA, TODO UN BARULLO DE COLOR

Charles Camoin - Marsella 1879 - París 1965













 








Su mujer Lola














Charles Camoin ingresó a los dieciséis años en la École des Beaux-Arts de Marsella, al tiempo que estudiaba Comercio. 
Tras ser premiado por un dibujo, su madre le impulsó a marchar a París e ingresar en el estudio de Gustave Moreau
Allí, en 1898, coincidió con Manguin, Marquet, Matisse, Puy y Rouault, artistas todos ellos que varios años más tarde compondrían el núcleo del grupo fauve. Tras la muerte de Moreau aquel mismo año, Camoin pintó a menudo junto a Marquet en las calles de París.

Llamado a filas en 1900, Camoin se trasladó a Arlés, donde pintó algunos lugares célebres de la obra de Van Gogh y Gauguin. Al año siguiente fue destinado a Aix-en-Provence, donde trabó amistad con Cézanne, cuyo ejemplo habría de atemperar sus efusiones coloristas. Desde los años 1903-1904 Camoin participó en el Salon des Indépendants y en el Salon d'Automne. El mismo año de 1904 conoció a Monet en Giverny y celebró su primera individual en la Galerie Berthe Weill. Camoin presentó varias obras en la célebre cage aux fauves del Salon d'Automnede 1905, aunque los propios comentaristas de la muestra señalaron su mayor moderación cromática respecto a sus compañeros, fruto de una aproximación intuitiva y no sistemática a los postulados del fauvismo. De esa época es su Retrato de Albert Marquet (1904-1905), considerado su obra maestra.

El progresivo agotamiento del Fauvismo y la aparición de nuevas corrientes artísticas, como el Cubismo, sumió a Camoin en una profunda crisis artística que se saldaría con la destrucción de más de ochenta cuadros de su «período negro» en 1913. 

Ese mismo año Camoin viajó a Marruecos junto a Matisse, recuperando la alegría de pintar y la luminosidad de su paleta. Tras la Primera Guerra Mundial, Camoin visitó el taller de Auguste Renoir en Cagnes-sur-Mer, desarrollando a partir de entonces un estilo más colorista y voluptuoso. En 1920 Camoin contrajo matrimonio con Charlotte Prost (Lola). Juntos, vivieron en París y Saint-Tropez, donde Camoin siguió pintando paisajes, figuras y bodegones. Murió en París el 20 de mayo de 1965.

Juan Á. López-Manzanares

Biografía:


Recordatorio:


(El fauvismo es un movimiento pictórico francés de principios del siglo XX. El nombre de «fauves» (fieras en español) fue dado por el crítico francés Louis Vauxcelles a un grupo pintores (Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain, Albert Marquet, Charles Camoin, Henri-Charles Manguin, Otho Friesz, Jean Puy, Louis Valtat, Georges Rouault, Raoul Dufy, Georges Braque, y Kees van Dongen), cuyas obras escandalizan en el Salón de otoño de París de 1905, a causa de la «salvaje» violencia expresiva del color, aplicada en tonos puros. 

La formación del fauvismo se remonta al periodo comprendido entre 1894 y 1897, cuando Manguin, Matisse, Camoin y Marquet se encuentran en el taller de Gustave Moreau en la Escuela de Bellas Artes de París: las acuarelas del maestro, con manchas de color libremente dispuestas, y la línea en arabesco de sus bocetos constituyen una primera contribución a la formación pictórica de los futuros “fauvistas”.)



domingo, 20 de agosto de 2017

EL SUEÑO DE LA ESPOSA DEL PESCADOR - KATSUSHIKA HOKUSAI





El sueño de la esposa del pescador (蛸と海女 Tako to ama, Los pulpos y el ama) es una xilografía erótica perteneciente al género ukiyo-e realizada en 1814 por el artista japonés Katsushika Hokusai

Hokusai es uno de los artistas nipones más conocidos y valorados en occidente. 

Si bien, tradicionalmente lo que más se ha apreciado de su producción pictórica son sus dibujos de paisaje, no obstante realizó otro tipo de obras, entre ellas tres volúmenes de arte erótico o Shunga compuestos por numerosas imágenes de esa temática, tratadas con extraordinaria imaginación y también con exquisito realismo a la hora de retratar el cuerpo humano y las diferentes prácticas sexuales. 

Dentro de ese conjunto de obras se incluye esta del Sueño de la esposa del pescador.


Hokusai desarrolló una iconografía desarrollada durante el siglo XVIII alrededor de la leyenda de Taishokan. Siguiendo el ejemplo de artistas como Katsukawa Shunshô, Katsukawa Shunchô o Kitao Shigemasa, la obra de Hokusai muestra a una mujer entrelazada sexualmente junto a dos pulpos, el más pequeño de ellos envuelve con uno de sus tentáculos el pezón de la muchacha y la besa, mientras que el más grande practica un cunnilingus.

Hay que tener en cuenta el alto nivel de censura que existía por aquellos años en el Viejo Continente, mientras que los artistas orientales, y en este caso concreto en Japón, tenían una mayor libertad y menos complejos para tratar ciertos temas. 

En cambio, en tierras europeas la sociedad más tradicional era muy recatada en los asuntos sexuales, al menos públicamente. Más aún al tratarse de imágenes que tratan explícitamente temas tabús y considerados como altamente obscenos como eran las prácticas de sexo oral o incluso la representación del vello púbico en el cuerpo femenino.
Hokusai creó El Sueño de la Esposa del Pescador durante el período Edo, cuando resurgía el shintoísmo; esto tuvo influencias sobre el animismo y sobre la actitud pícara ante la sexualidad en la obra. 



Es un célebre ejemplo de shunga y ha sido recompuesto por numerosos artistas japoneses y temas similares de humanos teniendo relaciones sexuales con animales marinos se han manifestado desde el siglo XVII en los netsuke japoneses, pequeñas estatuas esculpidas de unos pocos centímetros de alto y a menudo muy elaboradas. Igualmente, a partir de finales del siglo XIX, gracias al desarrollo del japonismo, artistas europeos como Rodin y Picasso realizaron nuevas versiones eróticas de esta obra de Hokusai.


"La visión de una obra erótica, realizada por un
artista de verdadero talento, me indujo a oscuros
descensos al fondo de las almas".  Picasso


Hokusai nació en Edo en 1760. Se desconoce quiénes fueron sus padres, ya que a una edad muy temprana, cuando sólo tenía tres años, fue adoptado por la familia Nakajima. Con decenas de miles de dibujos, la obra de Hokusai parece no tener límites; su diversidad, además, no tiene parangón. Diversidad de formatos, técnicas y temáticas. 

La vida de este artista, llena de anécdotas, está sembrada de pequeñas y grandes obras, así como también de demostraciones públicas de su talento: ni un grano de arroz ni una tela de dimensiones colosales podía resistirse a las manos de un pintor de su talla.







www.katsushikahokusai.org/ (su página web con todas sus obras)

(Entrada que hice en el verano del 2011 y que actualizo hoy)


jueves, 4 de agosto de 2016

HENRY MILLER Y ANAÏS NIN - ES HERMOSO AMAR Y SER LIBRE AL MISMO TIEMPO


Henry Miller y Anaïs Nin. Amor, inteligencia, pasión y creatividad.






Queridísima Anaïs

"Terriblemente, terriblemente vivo, afligido, absolutamente consciente de que te necesito..He de verte, te veo brillante y maravillosa y al mismo tiempo le he escrito a June y me siento desgarrado, pero tú lo entenderás, debes entenderlo. Anais, no te apartes de mí. me envuelves como una llama brillante. Anais, por Dios, si supieras lo que siento en este momento. Quiero conocerte mejor. Te quiero. 

Te quise cuando viniste a sentarte en mi cama -esa segunda tarde fue toda como una cálida neblina- y de nuevo oigo cómo pronuncias mi nombre, con ese extraño acento tuyo. Despiertas en mí tal mezcla de sentimientos que no sé cómo acercarme a ti. Ven a mí, aproxímate a mí, será de lo más hermoso, te lo prometo. 

No sabes cuánto me gusta tu franqueza, es casi humildad. Sería incapaz de oponerme a ella. Esta noche he pensado que debería estar casado con una mujer como tú. O es que el amor, al principio inspira siempre esos pensamientos?. No temo que quieras herirme. Veo que tú también posees fuerza, de distinto orden, más escurridiza. No, no te romperás. Dije muchas tonterias sobre tu fragilidad. Siempre he sentido un poco de vergûenza, pero la última vez menos. Acabará desapareciendo toda.

Tienes un sentido del humor delicioso; lo adoro. Quiero verte reir siempre. Te lo mereces. He pensado en sitios a donde deberíamos ir juntos, sitios oscuros, aquí y allí, en París, por el simple hecho de decir "aquí vine con Anaïs", "aquí comimos, bailamos o nos emborrachamos juntos". Ay!, verte borracha alguna vez, qué privilegio!, casi me da miedo proponértelo; pero Anaïs, cuando pienso cómo aprietas contra mí, cuán ansiosamente abres las piernas y qué humeda estás, Dios, me vuelvo loco de pensar en cómo serías cuando todo se disuelve. 

Ayer pensé en ti, en cómo ciñes las piernas en torno a mí, de pie, en cómo se tambalea la habitación, en cómo caigo sobre ti en la oscuridad sin saber nada. Y me estremecí y gemí de placer. Pienso que si he de pasar todo el fin de semana sin verte, resultará intolerable. Si es preciso, iré a Versailles el domingo - lo que sea, pero he de verte. No temas tratarme con frialdad. Me bastará con estar cerca de ti, con mirarte admirado. 

Te quiero, eso es todo".

Henry





Anaïs Nin, Henry Miller. Dos nombres, dos autores que no se pueden concebir por separado.


"Es hermoso amar y ser libre al mismo tiempo"


Quiero decir que no puedo ser absolutamente leal, no está dentro de lo que soy capaz. Me gustan las mujeres, o la vida, demasiado… No sé cual de las dos cosas. Pero ríe, Anaïs. Me encantaría oírte reír. Eres la única mujer que tiene un sentido de la alegría, una sabia tolerancia; no, es más, parece que me instas a que te traicione. Por eso te amo. Y ¿qué es lo que te lleva a hacer eso, el amor? Es hermoso amar y ser libre al mismo tiempo.


O sé lo que espero de ti, pero es algo parecido a un milagro. Te voy a exigir todo, hasta lo imposible, porque me animas a ello. Eres realmente fuerte. Me gusta incluso tu engaño, tu traición. Me parece aristocrático (¿suena inapropiada la palabra aristocrático en mi boca?).


Sí, Anaïs, pensaba en como traicionarte, pero no puedo. Te deseo. Quiero desnudarte, vulgarizarte un poco… no sé, ay, lo que me digo. Estoy un poco bebido porque tú no te encuentras aquí. Me gustaría dar una palmada y Voilà, ¡Anaïs! Quiero que seas mía, usarte, follarte, enseñarte cosas. No, no siento aprecio por ti, ¡no lo permita Dios! Tal vez quiera hasta humillarte un poco, ¿por qué? ¿por qué? ¿por qué no me arrodillo ante ti y te adoro? No puedo, te amo alegremente ¿Te gusta eso? Y querida Anaïs, soy tantas cosas. Ves solamente las cosas buenas ahora, o al menos eso es lo que me haces creer. Quiero tenerte al menos un día entero conmigo. Quiero ir a sitios contigo, poseerte. No sabes lo insaciable que soy, ni lo miserable, además de egoísta.


Me he portado bien contigo. Pero te advierto, no soy ningún ángel. Pienso principalmente que estoy un poco borracho. Me voy a la cama; resulta demasiado doloroso permanecer despierto. Soy insaciable. Te pediré que hagas lo imposible. No sé lo que es. Probablemente tú me lo dirás. Eres más rápida que yo. Me encanta tu coño, Anaïs, me vuelve loco. Y tu manera de pronunciar mi nombre. ¡Dios mío, parece irreal! Escucha, estoy muy ebrio. No soporto estar aquí solo. Te necesito. ¿Puedo pedírtelo todo? Puedo ¿Verdad? Ven enseguida y fóllame. Descarga conmigo. Rodéame con las piernas. Caliéntame.



Henry y June. Anaïs Nin (Diario íntimo)





Un amor y una amistad de por vida.









Anaïs Nin, Henry Miller. Dos nombres, dos autores que no se pueden concebir por separado.

La correspondencia inédita entre Anaïs Nin y Henry Miller arroja nueva luz sobre los aspectos más íntimos de su fecundo idilio. Las cartas que reúne la edición de este libro "Una pasión literaria", abarcan las dos décadas más importantes de su relación, desde febrero de 1932 hasta octubre de 1953.






domingo, 3 de julio de 2016

HEXAEDRO ROSA - RUBÉN MÁRTINEZ VILLENA, POETA Y REVOLUCIONARIO CUBANO


Desnudo en un sofá (1923), Henri Matisse 



Hexaedro rosa, poema completo:

I


¡Te amo...!

A tu lado, o en tu ausencia; en la realidad o en el sueño; en la intimidad del rincón amable o ante el formidable arrullo del mar; en la noche lunada o negra y punteada de estrellas interrogadoras; en el momento maravilloso y tierno del amanecer; en el estupor meridiano del día o en el pensativo crepúsculo de oro... En todos los sitios y a todas las horas te he dicho ya las palabras que creí no iba a pronunciar jamás. 

II

Tu amor irrumpió en mi vida como se cuela una ráfaga por una ventana abierta. Todos mis papeles se alborotaron y en un vuelo de espanto se deslizaron bajo los muebles y hacia los rincones. ¿Qué has hecho revoltosa?...¿Cómo penetras sin permiso?...No quieras irte. He cerrado cuidadosamente la ventana y no te dejaré hasta que arregles lo que desordenó tu travesura. ¡A ver si recoges aquel recuerdo mío y me traes esas cuartillas de la historia triste y el cuento ese que aún no he terminado, y aquella esperanza que germinaba bajo mi frente cargada hace un instante por estos pensamientos que han quedado aquí a mis pies, truncos y revueltos! ¡Qué maremágnum has ocasionado con tu entrada! 

Y mientras te digo todo esto tú estás ahí, de pie, en el medio de mi alma, con mi más vieja tristeza bajo el tacón de tu zapato, diciendo a mi severidad con una sonrisa divina: -Indudablemente, nada hay más descortés que un rayo de sol.... Y lo peor del caso -¡atrevida!- es que pareces muy satisfecha de que haya cerrado mi ventana. 


III

Tú dices que eres triste. Yo sé que comprendes mis tristezas. Pero a pesar de ti misma, tú eres alegre, alegre como la luz, como la flor, como el trino. Lo raro es que tu alegría es producida por mi amor. Proviene tu alegría del amor del hombre taciturno, obsedido por el Misterio y por el Arte, envenenado por la filosofía y por el Mundo.-Como yo conozco ese milagro, temo que se produzca en mí. Temo el contagio de tu celeste y poderoso júbilo. ¡Oh amada! No me arrebate tu alegría lo que me enorgullece y me define. ¡No vuelva el tiempo ingenuo de la poesía meliflua y desastrosa! En mi gravedad de crepúsculo tendré, para ti sola, luces y flores y trinos. Déjame la palabra amarga. la tristeza y la cólera son mías. Pero mi ternura sabrá mecer tu jovialidad de niña en un columpio de arrullo. 


IV

Será un día cualquiera... Habrá rostros graves y rostros sonrientes. Todo ocurrirá como en un sueño y tú no sabrás qué pasa... (Tu alma será una dulce angustia y una expectación de aurora.) --¿Por qué me visten así? ¿Por qué me coronan de flores? ¿Por qué lloran y ríen? -- me preguntarás. Y yo permaneceré silencioso, para no romper con mi voz el sonambulismo del momento. Pero cuando las amigas te hayan estrujado, cuando te hayan quitado los polvos a besos, cuando tú también derrames una lagrima límpida, entonces, rodearé tu cintura con mi brazo y te diré en una palabra: -- Vamos... 


V


Puedes venir desnuda a mi fiesta de amor. Yo te vestiré de caricias. 

Música la de mis palabras; perfume los de mis versos; corona, mis lagrimas sobre tu cabellera. 

¿Que mejor cinturón para tu talle, que cinturón más tierno, más fuerte y más justo que el que te darán mis brazos?... Para tu seno ¿qué mejor ceñidor que mis manos amorosas? ¿Qué mejor pulsera para tus muñecas que la que formen mis dedos al tomarlas para llevar tus manos a mi boca? 

Una sola mordedura, cálida y suave, a un lado de tu pecho, será un broche único para sujetar a tu cuerpo la clámide ceñida y maravillosa de mis dedos. 

Puedes venir desnuda a mi fiesta de amor. Yo te vestiré de caricias. 


VI


Entonces 
Cuando en tu cuerpo, rendido, no vibre ya el temblor elástico de los miembros; cuando tus labios no tengan fuerzas para besar; cuando tu brazo fatigado se extienda en reposo lánguido, y en un gesto débil y esquivo de negación agites la cabellera trémula.

Entonces 
Cuando tus ojos estén borrachos de adormideras sutiles, cuando los parpados te pesen y se caigan, quemados por la mirada ardiente de toda la noche.

Entonces, a través de la fina malla de tus pestañas, verás todavía alargarse en mis pupilas ávidas un desperezamiento de panteras. 



Rubén Martínez Villena, La Habana, 20 de diciembre de 1899 / 16 de enero de 1934. 

Si alguna frase define con toda exactitud la personalidad del intelectual y combatiente revolucionario cubano Rubén Martínez Villena es la expresada por su amigo y compañero de luchas Raúl Roa cuando señaló: "desafió mil veces la muerte y quemó alegremente su vida". 

Con talla de genuino conductor y líder, Rubén perteneció a una generación a la que correspondió el alto honor de encarnar, con la palabra y la acción, la continuidad histórica de las luchas independentistas de 1868 y 1895 en medio de los vaivenes de gobiernos sumisos y sangrientos tras el surgimiento de una República atada de pies y manos por su vecino del Norte. 

El 16 de enero de 1934 la tuberculosis que lo azotaba extinguió su existencia. Olvidado de sí mismo para entregarse a los demás, Rubén comenzó a desplegar sus energías en 1923, un año que marcó su consagración revolucionaria. Pudo haberse curado cuando la dolencia disminuía, pero soslayó las advertencias médicas. 

Sin descansó y tras el asesinato de Mella en 1929, retomó su bandera de lucha. Sumó voluntades en fábricas y talleres. Organizó sindicatos. Predicó la ideología marxista-leninista y con su toga de abogado defendió a los desposeídos y a los dirigentes obreros encarcelados o perseguidos. 

Hizo suyo un gesto rebelde de su generación: "la Protesta de los 13", acción política en la que junto a otros jóvenes intelectuales reveló públicamente impúdicos negocios de un alto funcionario del gobierno de turno. 

Dirigió huelgas, entre ellas la de agosto de 1933, que concluyó con la caída del tirano Gerardo Machado. Dirigió las revistas antiimperialistas Venezuela Libre (1925) y América Libre (1927). Cultivó la poesía, pero, en vida, no llegó a publicar libros. En 1936 vio la luz su poemario La pupila insomne. Sus cuentos, críticas y crónicas fueron recogidos en un volumen en 1940 bajo el título de Un nombre. En 1964 la Unión de Escritores y Artistas de Cuba publicó la Orbita de Rubén Martínez Villena. Su vida y obra revolucionaria fueron biografiadas por Ana Núñez Machín en el libro titulado Rubén Martínez Villena, aparecido en 1971, que ha tenido varias reediciones. Nació en Alquizar, La Habana, en 1899. 




Sus poemas de amor son deliciosos. 


LOS BESOS - GABRIELA MISTRAL


" Hay besos que pronuncian por sí solos 
la sentencia de amor condenatoria, 
hay besos que se dan con la mirada 
hay besos que se dan con la memoria.


El Beso / Gustav Klimt, 1907-1908.


Hay besos silenciosos, besos nobles 
hay besos enigmáticos, sinceros 
hay besos que se dan sólo las almas 
hay besos por prohibidos, verdaderos.

Hay besos que calcinan y que hieren, 
hay besos que arrebatan los sentidos, 
hay besos misteriosos que han dejado 
mil sueños errantes y perdidos.

Hay besos problemáticos que encierran 
una clave que nadie ha descifrado, 
hay besos que engendran la tragedia 
cuantas rosas en broche han deshojado.

Hay besos perfumados, besos tibios 
que palpitan en íntimos anhelos, 
hay besos que en los labios dejan huellas 
como un campo de sol entre dos hielos.

Hay besos que parecen azucenas 
por sublimes, ingenuos y por puros, 
hay besos traicioneros y cobardes, 
hay besos maldecidos y perjurios.

(...)

Hay besos que producen desvaríos 
de amorosa pasión ardiente y loca, 
tú los conoces bien son besos míos 
inventados por mí, para tu boca.

(...)

Yo te enseñé a besar: los besos fríos 
son de impasible corazón de roca, 
yo te enseñé a besar con besos míos 
inventados por mí, para tu boca.."







*.- El Beso fue la obra maestra de Gustav Klimt. Con ella culminaba su investigaciones sobre el tema del deseo humano a fines de la fase dorada. Esta obra era el símbolo de la reconciliación y unión de los sexos.
Esta pintura celebraba la belleza y el erotismo. Muestra dos amantes que se fusionan en un frenesí de coloridas formas y joyas en un estilo contemporáneo.
Aqui vemos a una pareja abrazada encarnando la felicidad erótica imperturbable. Miremos cómo sus cuerpos están encerrados en un mágico capullo de oro, del que apenas escapan las cabezas y las manos.

Esta pintura era quizás una alegoría de la brevedad de la juventud, de lo efímero de la estación mas favorable al amor.

El cuadro El beso mide 1,8 metros de alto por 1,8 metros de largo y se encuentra actualmente en la Galería Belvedere en el Palacio de Belvedere en Viena, Austria.






viernes, 18 de marzo de 2016

HENRI MATISSE Y SU SERIE LAS ODALISCAS - EXPERIENCIA VIVIDA CASI EN ÉXTASIS


"Sin pasión no hay arte". H.M.





La serie "Las Odaliscas" cubre un período que va desde 1920 a 1927.



"Las odaliscas fueron el fruto numeroso de una feliz nostalgia, de un bello y vivo sueño y de una experiencia vivida casi en éxtasis, de los días y las noches sumergido en la magia de un clima. Una necesidad imperiosa de expresar este éxtasis, esta indolencia divina, en los ritmos coloreados, ritmos de figuras y colores solares y gustosos". (escribió el pintor a André Verdet).











"Con las odaliscas no renuncio a lo que recientemente había ganado, sino que vuelvo a una vibración de la profundidad, admito de nuevo un cierto modelado y vuelvo a tomar posesión de un espacio donde el aire vuelve a circular. De este modo se plantea un problema para mi: armonizar, equilibrar los tonos puros y los semitonos con el fin de asegurar el acorde y la unidad rítmica del cuadro ante el peligro que pueden constituir las estridencias cromáticas". (escribió el pintor a André Verdet).















"He decidido guardarme los tormentos e inquietudes para no expresar más que la belleza del mundo y la alegría de pintar”.“¿cómo puede hacerse arte sin pasión? El artista domina más o menos, pero es la pasión la que motiva su obra. Se dice que todo mi arte viene de la inteligencia. No es cierto: todo lo hice por pasión".














Litografías en papel de su serie Las Odaliscas.


Lo primero que llama la atención de su obra gráfica es la ausencia de color. El rey del cromatismo, una de las paletas más vibrantes de la pintura de principios del XX, opta conscientemente por prescindir del color y centrarse en la pureza de la línea. Y así surgen estas bellísimas obras de una elegancia y sensualidad extraordinarias:



Gran odalisca con pantalón de rayas, 1925


Desnudo tumbado junto a un frutero, 1926

Odalisca de pie y bandeja de frutas, 1926

Odalisca sentada con falda de tul, 1926


Torso con aguamanil, 1926



Entre noviembre de 1910 y enero de 1911, el pintor francés Henri Matisse viajó a España sin un claro objetivo. Visitó Madrid, Sevilla, Córdoba, Granada, Toledo y Barcelona. El impacto de lo que contempla le inspiran muchas obras. La huella de los artesonados o de los yesos que adornan los interiores de la Alhambra están presentes en los fondos de sus composiciones.


Ahora se puede precisar que la visita a Granada fue definitiva en su obra, tal como se lee en las cartas que envía a su esposa y a sus amigos desde Andalucía en las que habla con fascinación de la forma en que la luz se filtra por las celosías o del paraíso de fuentes y de árboles que envuelve los palacios ( Ahí siguen los castaños, olmos, chopos, palmeras y cipreses) . 


Pero puede que sea en las odaliscas donde más se pueda percibir la influencia granadina. 

Pinta la primera en 1921 en un momento en el que lo que le interesa es investigar el desnudo femenino. Estas mujeres semidesnudas envueltas en transparencias y rodeadas de telas preciosas, tienen tal éxito que llega a pintar más de cien. 

La mayor parte son peticiones de coleccionistas americanos. Casi siempre utiliza la misma modelo, la bailarina Henriette Darricarrere, una bellísima mujer con la que se le puede ver aquí retratado en numerosas fotografías de la época.






"He decidido guardarme los tormentos e inquietudes para no expresar más que la belleza del mundo y la alegría de pintar".