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viernes, 12 de febrero de 2016

CLARA DE CAMPOAMOR - LA MUJER OLVIDADA


Clara Campoamor ejerció la política desde la minoría femenina y fue diputada durante la II República, consiguiendo que las mujeres pudiesen votar en las elecciones de 1933. Nacida tal día como hoy en el año 1888, se celebra el 128 aniversario de su nacimiento.







Clara Campoamor (1888-1972)



Feminista, abogada, política, republicana y de izquierdas, comprometida con sus ideales hasta el último día de su vida, Clara Campoamor es una de las grandes figuras de la historia del siglo XX en nuestro país. 

Clara Campoamor fue una mujer que se hizo a sí misma, que luchó siempre contra todo, contra todos y contra todas "mi ley es la lucha, decía, para conseguir una España en donde la cuna fuera un origen, no un destino, y donde la Ley no fuera un castigo sino un amparo".

Cuando las mujeres eran una exagerada minoría en las universidades españolas, Clara consiguió hacerse un hueco y se licenció en derecho. Cuando ellas raramente ejercían, Clara trabajó como abogado y tramitó los primeros divorcios. Cuando las mujeres no existían en el Parlamento, ella entró en el hemiciclo defendiendo sus derechos. Cuando incluso había mujeres que no aceptaban el voto femenino, Clara Campoamor luchó por conseguirlo. 


Clara Campoamor Rodríguez.  Foto de la Fundación Pablo Iglesias.


Nace en el barrio madrileño de Maravillas (hoy Malasaña) el 12 de febrero de 1888, en una familia de origen humilde. Su madre era modista y su padre, contable de un periódico.
A la muerte de éste, se ve obligada a interrumpir sus estudios y ponerse a trabajar y lo hace en el cuerpo de Correos y Telégrafos en 1909.

En 1914 y tras sacar el número uno de su oposición, se convierte en profesora de adultas en el Ministerio de Instrucción Pública. Sin embargo, al no tener el bachiller sólo puede impartir clases de taquigrafía y mecanografía por lo que decide seguir estudiando a la vez que lo compagina con sus trabajos de mecanógrafa en el Ministerio y de secretaria en el periódico “La Tribuna” respectivamente.

En 1923 participa en un ciclo sobre Feminismo organizado por la Juventud Universitaria Femenina donde comienza a desarrollar sus ideario sobre el derecho a la igualdad de las mujeres.

En 1924 y a la edad de treinta y seis años se licencia en Derecho lo que le permite defender dos casos de divorcio muy célebres en aquella época, el de la escritora Concha Espina, de su marido Ramón de la Serna y Cueto, y el de Josefina Blanco, de Valle-Inclán.

Fue también la primera mujer que intervino ante el Tribunal Supremo y que desarrolló trabajos de jurisprudencia sobre cuestiones relativas a los derechos de la situación jurídica de las mujeres en nuestro país.

En 1928 crea junto a compañeras de otros paises europeos la Federación Internacional de Mujeres de Carreras Jurídicas, que todavía existe con sede en París y trabaja junto a Victoria Kent y Matilde Huici en el Tribunal de Menores.

En 1930 contribuye a fundar la Liga Femenina Española por la Paz.

Pero su gran oportunidad llegó de la mano de la II República Española. En 1931 se modificaba la ley electoral y permitía a las mujeres mayores de 23 años poder ser elegidas en el Parlamento. Clara Campoamor, junto a Victoria Kent y Margarita Nelken fueron las tres únicas mujeres que consiguieron su escaño. 


Con Azaña forma parte de la junta directiva del Ateneo de Madrid y se declara republicana. 

A la pregunta de un periódico "¿Monarquía o República?, responde ¡República, República siempre!. Me parece la forma de gobierno más conforme con la evolución natural de los pueblos. Y en muchos casos la más adecuada a la situación de un país específicamente considerado, verbigracia, España".

Fue delegada de España en la Sociedad de Naciones.

En 1931 participa en la comisión encargada de redactar la Carta Magna republicana, siendo la primera mujer que habla en las Cortes Españolas. 

Desde su tribuna ejercerá una enadercida defensa del sufragio femenino en España, con la oposición de sus propios compañeros de partido y de otra diputada socialista, Victoria Kent, convertida en la portavoz del no.

Victoria Kent se opone al derecho electoral de las mujeres, argumentando que éstas influidas por la Iglesia, votarán conservador. La derecha, contraria a la emancipación de las mujeres, apoya, sin embargo, a Clara Campoamor por los motivos que esgrime Victoria Kent, pensando que los votos de éstas les serán favorables a su formación.

Clara Campoamor se mantiene fiel a sus principios y defiende el derecho de las mujeres a ser consideradas ciudadanas por encima del sentido de su voto.

Al final, y con una apretada victoria impone sus tesis y entra en la Historia como la principal artífice de la inclusión del voto femenino en España, recogido en la Constitución de 1931, que en su artículo 36 dispone que “Los ciudadanos de uno y otro sexo, mayores de 23 años tendrán los mismos derechos electorales conforme determinen las leyes”.

En las elecciones de 1934, la CEDA se proclama vencedora y toda la izquierda culpa de su derrota a Clara Campoamor. Es su muerte política.

Sin embargo, en 1936, las urnas darán la mayoría a la izquierda.

En 1936, tras el golpe militar del general Franco contra la República Española, Clara Campoamor se exilia a Francia, Argentina y a Laussanne donde fallece en 1972 sin haber tenido la oportunidad, ante las condiciones impuestas por parte del gobierno franquista, de regresar a España como era su deseo.






Así empezaba su discurso ante las Cortes el 1 de octubre de 1931, donde quedaría aprobado el voto femenino en España. 


Señores diputados: lejos yo de censurar ni de atacar las manifestaciones de mi colega, señorita Kent, comprendo, por el contrario, la tortura de su espíritu al haberse visto hoy en trance de negar la capacidad inicial de la mujer. Creo que por su pensamiento ha debido de pasar, en alguna forma, la amarga frase de Anatole France cuando nos habla de aquellos socialistas que, forzados por la necesidad, iban al Parlamento a legislar contra los suyos. 


(...)

¡Las mujeres! ¿Cómo puede decirse que cuando las mujeres den señales de vida por la República se les concederá como premio el derecho a votar? ¿Es que no han luchado las mujeres por la República? ¿Es que al hablar con elogio de las mujeres obreras y de las mujeres universitarias no está cantando su capacidad? Además, al hablar de las mujeres obreras y universitarias, ¿se va a ignorar a todas las que no pertenecen a una clase ni a la otra? ¿No sufren éstas las consecuencias de la legislación? ¿No pagan los impuestos para sostener al Estado en la misma forma que las otras y que los varones? ¿No refluye sobre ellas toda la consecuencia de la legislación que se elabora aquí para los dos sexos, pero solamente dirigida y matizada por uno? ¿Cómo puede decirse que la mujer no ha luchado y que necesita una época, largos años de República, para demostrar su capacidad? Y ¿por qué no los hombres? ¿Por qué el hombre, al advenimiento de la República, ha de tener sus derechos y han de ponerse en un lazareto los de la mujer? 

(...)





¡¡ SALUD COMPAÑERA !!


Fuente:




jueves, 4 de febrero de 2016

ODILON REDON - EL SIMBOLISMO MÁGICO Y MINIMALISTA


Los ojos cerrados,1890


Pintor de la imaginación y del subconsciente en plena hegemonía del naturalismo, contemporáneo de los impresionistas, con los que expuso en 1886, pero con los que no compartió la misma estética, Odilon Redon (Burdeos, 1840-París, 1916) fue un artista al margen.



Autorretrato

Odilon Redon fue un pintor francés cuyo legado artístico entraría dentro del llamado simbolismo. Para entender sus obras es necesario estudiar su vida, especialmente el momento histórico que le tocó vivir y los contextos en los que estuvo sumergido. 

Su larga formación como pintor y persona estuvo plagada de influencias muy variadas, desde el romanticismo de Gorin, las figuras admirables de Delacroix y Rodolphe Bresdin como telón de fondo y el mundo literario de Baudelaire y Poe que alimentaron su espíritu creativo ante el academicismo imperante de la época.





Odilon Redon y el Simbolismo

Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de comunicación decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras.


En Odilon Redon, el interés por el inconsciente, lo onírico y lo fantástico se hace patente en su temática. Su obra se puede dividir en dos partes, una en blanco y negro y otra en color. Para él, el negro era el príncipe de los colores. La araña sonriente, El sueño acaba con la muerte o El ojo como un globo extraño se dirige hacia el infinito son algunos ejemplos. Esta última es un precedente claro del surrealismo. El tema del ojo permite la conexión con los surrealistas, aunque también es una actitud simbolista. 

En sus litografías aparecen metáforas a obras de escritores como Edgar Alan Poe, Baudelaire o Flauvert.



Pandora, 1914
Ophelia, 1902
The Golden Cell, 1892

"Flores", detalle de “La rama florecida amarilla”.
Margaritas
Detalle de "Mariposas"
Mariposas


Friso completo de El Día, 1910


Detalle del friso El día


Friso completo de La Noche, 1910/11


Detalle del friso La noche
RETRATO DE VIOLETTE HEYMANN

Todo ese complejo entramado de influencias configuró el caldo de cultivo para forjar a uno de los grandes de la pintura. Algunos incluso ven a Redon como uno de los precursores del surrealismo. Hay que destacar que su obra es variada y que observamos no sólo fases que corresponden al cambio de técnicas artísticas, sino a cambios cualitativos en la vida del pintor.


Contemplad algunas de sus maravillosas creaciones, para hacer boca, como se suele decir:



The Raven, 1882.


Guardian Spirit of the Waters, 1878.


Aguafuerte perteneciente a la serie A Edgar Poe, cuyo título es El ojo, como un globo grotesco, se dirige hacia EL INFINITO.




"El pólipo deforme" llegaba por las riberas, cual suerte de cíclope sonriente y horrible, perteneciente a la serie Los orígenes.




Cactus Man, 1881.


The Crying Spider, 1881.


The Cyclops, 1914


Spirit of the Forest, 1880.


Saint John, 1892

En ocasiones los títulos de los dibujos componen un poema, como en el caso de la serie homenaje a Goya, compuesta por seis litografías: "En mi sueño, vi en el cielo un rostro misterioso/ La flor del pantano, una cabeza humana y triste/ Un loco, en un paisaje apagado/ Hubo también seres embrionarios/ Un extraño malabarista/ Al despertar divisé a la diosa de lo inteligible, con perfil severo y duro". 


El pintor de la imaginación y el subconsciente, poseedor de un universo personalísimo, enigmático, misterioso, Odilon Redon ha sido todo un descubrimiento.



El Cubo, Litografía


"Mis dibujos inspiran, no se definen. No determinan nada. Ellos los colocan en el ambiguo mundo de la indeterminación. Se trata de una especie de metáfora".



(Esta entrada la publiqué en Marzo de 2012, hoy la actualizo)


miércoles, 3 de febrero de 2016

JAMES JOYCE - 5 POEMAS ESCOGIDOS DE AMOR JUNTO A LAS PINTURAS DE RENOIR

Pierre-Auguste Renoir, Desnudo de mujer sentada, 1885


Mi paloma, mi hermosa.
¡Ven, ven!
Yace de noche el rocío
Sobre mis ojos y labios.

Tejen los perfumados vientos
Una música de suspiros:
¡Ven, ven,
Mi paloma, mi hermosa!

Te aguardo junto al cedro,
Mi hermana, mi amor,
Pecho blanco de paloma,
El mío será tu lecho.

Yace el pálido rocío
Como un velo sobre mí.
Mi linda, mi linda paloma,
¡Ven, ven!


***


Mi amor se viste ligero
Entre los manzanos,
Donde lo que más desea el viento amable
Es estar acompañado.

Ahí, donde el viento amable se detiene a cortejar
A las hojas jóvenes en su camino,
Mi amor avanza despacio, siguiendo
Su sombra entre la hierba;

Y donde el cielo es como una pálida copa azul
Sobre la sonriente tierra.
Mi amor avanza ligero, recogiéndose
La falda con mano delicada.


***


En el cerrado bosque de pinos
Quisiera yacer contigo,
En la sombra fresca
Del mediodía.

¡Cuán hermoso yacer ahí,
Hermoso el besar,
Donde la floresta de pinos
Se colma de paseos!

Tu beso descendería
Más dulce
Entre el suave rumor
De tus cabellos.

Oh, hacia el bosque de pinos
Al mediodía
Vámomos hoy,
Dulce amor.


***


Al oír de cerca tu voz
Produje en él dolor,
Al tener de nuevo tu mano
Dentro de la mía.


No hay frase ni señal
Que lo puedan disuadir
Para mí es hoy un extraño
El que mi amigo fuera.


***

Pierre-Auguste Renoir. 'Bañista peinándose' (1885)


Querido corazón ¿Por qué me usarás así?
Queridos ojos que gentilmente me reprenden
Aún sois hermosos—pero, ay,
¡Como está tu belleza disfrazada!

A través del claro espejo de tus ojos,
A través del suave suspiro de beso en beso.
Vientos desolados asaltan con gritos.
El jardín de sombras donde el amor está.

Y pronto el amor será disuelto.
Cuando sobre nosotros los salvajes vientos soplan.
Pero tú, querido amor, demasiado querido para mí.
¡Ay! ¿Por qué me usarás así?



Pierre-Auguste Renoir. Mujer durmiendo, 1897



***



James Joyce nació en Dublín, el 2 de febrero de 1882
Murió en Zúrich, el 13 de enero de 1941.
Fue un escritor irlandés, reconocido mundialmente como uno de los más importantes e influyentes del siglo XX. Joyce es aclamado por su obra maestra, Ulises (1922), y por su controvertida novela posterior, Finnegans Wake (1939).

Igualmente ha sido muy valorada la serie de historias breves titulada Dublineses (1914), así como su novela semi autobiográficaRetrato del artista adolescente (1916). Joyce es representante destacado de la corriente literaria denominada modernismo anglosajón, junto a autores como T. S. Eliot, Virginia Woolf, EzraPound o Wallace Stevens.







Los poemas escritos y publicados de un narrador (máxime si se trata de uno tan destructor de normas como lo fue James Joyce) despiertan siempre sorpresa y recelos. 

Aunque más conocido por su novela Ulises, su obra poética también ha merecido los elogios de los más exigentes críticos y está reconocida como una de las cumbres de la poesía inglesa.







martes, 2 de febrero de 2016

JOSÉ ÁNGEL VALENTE - 3 POEMAS SENSUALES DE UN SER HUMANO MARAVILLOSO

"No quiero más que estar sobre tu cuerpo
como lagarto al sol los días de tristeza.."


Jeanne Rhéaume


El amor está en lo que tendemos


El amor está en lo que tendemos
(puentes, palabras ).


El amor está en todo lo que izamos
(risas, banderas).

Y en lo que combatimos
(noche, vacío)
por verdadero amor.

El amor está en cuanto levantamos
(torres, promesas).

En cuanto recogemos y sembramos
(hijos, futuro).

Y en las ruinas de lo que abatimos
(desposesión, mentira)
por verdadero amor..



Mujer desnuda en un paisaje, 1883. Pierre-Auguste Renoir


El círculo

Estaba la mujer con sus dos senos,
su única cabeza giratoria,
la longitud de su sonrisa, el aire
de estar y de alejarse sabiamente fingido.

Estaba rodeada de sí misma,
de admiración opaca y compartida,
bajo la oscura luz de las miradas.

La complacencia del estar henchía
de estólida ternura los objetos cercanos.

Estaba en pie sumándose a su cuerpo.
Las palabras sonaban conllevando sentidos
superfluos y crasos.

Giraba la mujer.

Rebasaba su órbita
como un pronunciamiento
de todo lo que es bello,
vacío, ritual, sonoro, triste.


Margarita Sikorskaia 


Estabas desleída en la dulzura

Estabas desleída en la dulzura
de los secretos jugos de tu cuerpo
y te llevaba el agua
como a una larga cabellera verde
engendrada en los limas
obstinados del fondo.

Era tu forma ese deshacimiento.
Brotar.
Fluir.
Abandonarse.
Bajaba el aire hasta los límites
perfectos de tu piel.
Blancura.
Y ya oblicuo, el poniente la encendía
para nacer de ti aquella tarde
de qué lugar, qué tiempo, qué memoria. 




José Ángel Valente (Orense, 1929 - Ginebra, 2000) fue un poeta, ensayista y traductor español.

Es, sin duda, uno de los escritores españoles más importantes y significativos de la literatura de postguerra, pero, al mismo tiempo, es también una de las personalidades intelectuales más relevantes de la cultura europea del siglo XX.

Una vida de constante peregrinaje desde 1947, vivió fuera de Galicia, circunstancia que no logró cambiar sus profundas convicciones humanas y poéticas.

En 1972, cuando residía en Ginebra fue declarado en rebeldía tras el consejo de guerra al que fue sometido por la dictadura franquista a consecuencia del cuento El uniforme del general, basado en unos hechos acaecidos en Fiñana tras la Guerra e incluido en el libro El número trece. Con dicha condena su exilio voluntario se convirtió en forzoso.


*.- Algunas de sus frases, en todas ellas resume su pensamiento, solidario, comprometido, libre, rebelde, desobediente, tierno y coherente:


"Mi palabra es libre y no obedezco".

"Estamos dominados por palabras carentes de libertad".


"El diálogo espíritu-poder es posible, por eso la consecuencia es disidencia y exilio".


"Los intelectuales están domesticados".


"La poesía es una invitación a lo oscuro. Invitar a lo que se ve no tiene aventura ni riesgo. Y la poesía es una aventura".



lunes, 1 de febrero de 2016

PIET MONDRIAN - PURA ABSTRACCIÓN, EL PADRE DEL NEOPLASTICISMO

Piet Mondrian fue el más puro y decidido de los grandes precursores de la abstracción. 

Sentía que la sencillez era el estado ideal de la humanidad, y, en cierto sentido, él mismo fue un hombre sencillo.

Más de la mitad de la producción total de Mondrian corresponde a los años comprendidos entre 1890 y 1907; pero sólo después de ese momento Mondrian inició su evolución plástica. 



El árbol rojo, 1910


Hoy se cumplen 72 años de la muerte de Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), conocido como Piet Mondrian.



Autorretrato, 1918


El nombre de Piet Mondrian está vinculado al grupo neoplasticista holandés aglutinado en torno a la revista De Stijl. 

Sus primeras obras son escenas rurales donde se observa la influencia de su tío, Frits Mondrian, pintor impresionista de la Escuela de La Haya.

Un ejemplo de estos paisajes es Vista de Winterswijk. Aquí apunta ya la idea que guiará toda su pintura, el deseo de sobrepasar la apariencia material de la realidad sometiéndola a un orden visual que la sitúe en un plano de universalidad. La composición enfatiza la verticalidad de la torre y la horizontalidad de la línea del cielo, convirtiéndolos en ejes perpendiculares que organizan la estructura visual de la pintura, más allá de la pura descripción de un paisaje concreto.



Vista de Winterswijk, 1899
Molino de viento en el Gein, 1907

Atardecer sobre el Gein, 1907

Vista desde las dunas, 1909


Su concepción de que el arte debía ser representado a través de la línea recta y los colores puros como símbolo de la expresión del orden cósmico le convirtió en una de las grandes figuras defensoras de la abstracción y en uno de los artistas más admirados e influyentes del siglo XX. 

Se formó como maestro de dibujo de educación obligatoria y en 1892 ingresó en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Amsterdam, donde comenzó a relacionarse con los grupos artísticos del momento. 

Sus primeras obras fueron paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y verdes oscuros, y en 1908, bajo la influencia del pintor Jan Toorop, comenzó a experimentar con colores más brillantes.






Esta obra lleva por nombre "Evolucion", data de 1910/11.
La madrugada, el día y la noche, o a la inversa, la niñez, la juventud y la senectud



Sun, Church in Zeeland, 1910
Arum Lily, 1910
Molino al sol, 1911

Bodegón con jarra de jengibre II (1912)

Flores al sol

Sol

Árbol gris (1912)

Árboles en flor, 1911
Composición en Gris - Azul (1913)

Composición VII (1913)


En 1912 se trasladó a París, donde conoció, entre otros, a Fernand Léger y Georges Braque. Su estancia en la capital francesa hizo que adoptase el estilo cubista, desde el que poco a poco se fue adentrando en la abstracción. 



Sobre la serie de dibujos Mar y luz de estrellas de 1914, Mondrian escribe :


"Observando el mar, el cielo y las estrellas, busqué representar su función plástica a través de múltiples horizontales y verticales cruzándose. Estaba impresionado por la grandeza de la naturaleza y traté de expresar expansión, reposo, unidad" . 



Mar y luz de estrellas, 1914


La obra de Mondrian evoluciona a partir de la naturaleza, y llega a la abstracción desde el paisaje. A través de sus temas favoritos (el árbol, el mar, las dunas, la iglesia y el molino), se puede ver su evolución desde un naturalismo simbolista, pasando por el impresionismo, el postimpresionismo, el fauvismo y el cubismo, hasta la abstracción pura.



Bodegón cubista, 1918


Composición Oval -1914

Composición, 1918


Composición, 1918

Plus & Minus 1915


El estallido de la Primera Guerra Mundial hizo que se viese obligado a permanecer en los Países Bajos, momento en el que conoció a Bart van der Leck y Theo van Doesburg

En 1917, junto a ambos pintores y a un grupo de jóvenes arquitectos y artistas, fundó la revista De Stijl, que, hasta 1924, le sirvió de plataforma para difundir el neoplasticismo, un arte que buscaba representar las verdades absolutas del universo. 



Pintura en diamante en rojo, amarillo y azul, 1922


Composition with Large Red Plane, Yellow, Black, Gray and Blue, 1922



"La Composición es la fuerza de la pintura neoclásica al haber demostrado la necesidad de la desnaturalización. Ella ha desnaturalizado, ya sea los elementos constructivos, ya sea la composición de éstos. Es por esta razón que ella es la verdadera pintura abstracta!".




Composition in Red, Yellow, and Blue (1926)

Cuadro nº 1 (1925)

Cuadro nº 2 (1925)


Tavola I, composizione con rosso, nero, blu e giallo, 1921


La pintura de Mondrian se expresaría a partir de entonces exclusivamente a través de planos de colores primarios y líneas rectas. Cuando en 1925 Van Doesburg introdujo la diagonal en sus composiciones pictóricas, Mondrian se separó definitivamente del grupo.

Posteriormente colaboró con el grupo Cercle et Carré, fundado en 1929 por Michel Seuphor, y en 1931 se unió al grupo Abstraction-Création de Auguste Herbin

En 1938 emigró a Londres, y en el otoño de 1940, tras los bombardeos de la capital británica y la entrada de los alemanes en París, decidió aceptar la invitación del pintor americano Harry Holtzman de ir a Nueva York. 

En América su estilo perdió la rigidez anterior, influido por el movimiento intrínseco de la gran metrópoli, sus rascacielos y el jazz, y adquirió una mayor libertad y un ritmo más vivo.



Composition in black, white & red, 1939-42


Victory boogie 1942

New York City, 1942


New York City (1942)


Autorretrato


Modrían fallecía finalmente en Nueva York en 1944 a la edad de 71 años.


"¿Y el hombre? Nada por sí mismo, no será más que una parte de un todo, y es entonces cuando habiendo perdido la vanidad de su pequeño y mezquino individualismo, ¡será feliz en este Edén que él habrá creado!". P. Mondrian








El texto o libro de Mondrian que mejor ilumina su desarrollo como pintor es también el más accesible, además, llegó a ser su texto preferido. "Realidad natural y realidad abstracta", escrito en 1919-1920, toma la forma de un "triálogo":

Una conversación a tres entre un Pintor Naturalista (“X”), un Lego (“Y”) y alguien a quien Mondrian llama Pintor Real-Abstracto (“Z”), es decir, él mismo. 

El texto lleva un subtítulo: "Mientras vagabundeaba del campo a la ciudad". La primera escena tiene como fondo un paisaje lacustre (como el de Atardecer sobre el Gein) donde ha salido la luna. Los tres hombres están de acuerdo sobre la belleza e inspiración que se puede encontrar en la naturaleza. No obstante, Z, el Pintor Real-Abstracto, dice: "No necesitamos mirar más allá de lo natural, pero, de algún modo, debemos ver a través de lo natural".




Fuente: