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domingo, 4 de mayo de 2014

JAMES PRADIER - ESCULTURAS NEOCLÁSICAS PERO CON AROMAS DE MODERNIDAD

Jean-Jacques Pradier, conocido por James Pradier, es un escultor y un pintor del siglo XIX, nacido en Ginebra (Suiza) en 1790 y fallecido en Bougival (Francia) 4 de junio de 1852.


Los motivos de su preferencia son los mitológicos y resaltar que el tratamiento formal de sus personajes está dotado de un cierto matiz moderno (visible en los peinados femeninos y en ciertas actitudes y poses). 

En cuanto al tratamiento del cuerpo femenino oscila entre las líneas más voluptuosas y los volúmenes más estilizados, destilando sus figuras un extraño aroma a modernidad. Esos cuerpos, muchas veces, son cuerpos más de modelos novecentistas que de mujeres clásicas. 

Cuerpos modernos en personajes clásicos; rasgos cotidianos relacionados con el contemporáneo siglo XIX para representar escenas y episodios mitológicos, esa fue su gran contribución y su gran apuesta. 



El Eterno femenino. El erotismo 


Aparte de los encargos civiles y privados, hay que destacar su aportación al cuerpo femenino, al erotismo. Aquí se hayan sus obras más representativas y famosas: Las Tres Gracias, Nyssia, La Poesía Ligera, Psyché, El Sátiro y la Bacchante, La Odalisca, La Toilette de Atalanta o Safo: 





Las tres gracias

Las tres gracias, detalle

Las tres gracias

Odalisca

Odalisca

Odalisca
La Toilette de Atalanta

La Toilette de Atalanta, detalle

La Toilette de Atalanta

El Sátiro y la Bacchante

El Sátiro y la Bacchante

El Sátiro y la Bacchante

Nyssia

Nyssia

La Poesía Ligera

La Poesía Ligera

Safo, 1852, París, Museo de Orsay

Safo, 1852, París, Museo de Orsay

La Bacchante acostada


A mediados del siglo XVIII el estilo neoclásico destruyó las extravagantes formas a las que había llegado el Rococó, restaurando la sencillez de las formas antiguas, tanto en las masas arquitectónicas como en la decoración. 

Los teóricos del arte de este período definieron las nuevas tendencias neoclásicas afirmando que la belleza ideal no existe en la naturaleza, sino que corresponde al hombre crearla con la fuerza de su espíritu artístico. 


Espero hayan disfrutado tanto como yo. 



Fuentes:






jueves, 1 de mayo de 2014

UN COBARDE SILENCIO - EL ELEMENTO HUMANO QUE TODO LO REDIME

Tal como si fuese hoy:
Un cobarde silencio
hambre para todos
abramos espacios para la reflexión
y para la memoria de lo cotidiano.






¡Qué barullo en la herida!

¡Qué suerte si esto que siento fuera sed
y se me quitara bebiendo un vaso de agua!

Es entonces cuando llueve tristeza
para ahogar en mi boca
la palabra imposible.

Intento gritar,
y sólo consigo un cobarde silencio.


Gloria Fuertes





HAMBRE

Tened presente el hambre: recordad su pasado
turbio de capataces que pagaban en plomo.
Aquel jornal al precio de la sangre cobrado,
con yugos en el alma, con golpes en el lomo.

Los años de abundancia, la saciedad, la hartura
eran sólo de aquellos que se llamaban amos.
Para que venga el pan justo a la dentadura
del hambre de los pobres aquí estoy, aquí estamos.

Nosotros no podemos ser ellos, los de enfrente,
los que entienden la vida por un botín sangriento:
como los tiburones, voracidad y diente,
panteras deseosas de un mundo siempre hambriento.


Miguel Hernández




SILENCIO

Oye, hijo mío, el silencio.
Es un silencio ondulado,
un silencio,
donde resbalan valles y ecos
y que inclina las frentes
hacia el suelo.


Federico García Lorca







Todas las fotografías son de Kati Horna.



Kati Horna fotografiada por Robert Capa


Con la caída de la Segunda República ante las fuerzas franquistas, Kati y José Horna, militantes de la facción anarquista republicana durante la Guerra Civil Española, enfrentaron, al igual que miles de sus correligionarios, la amenaza real de perder su libertad e incluso sus vidas.

La mirada de Horna capta ese elemento humano que redime todo a pesar de lo trágico.






http://elrincondemisdesvarios.blogspot.com.es/2012/04/kati-horna-fotografa-el-compromiso-de.html


miércoles, 30 de abril de 2014

EL PERÍODO CUBISTA DE PICASSO (1907/1917) - LENGUAJE PICTÓRICO LLENO DE PARADOJAS

Picasso es el gran genio del cubismo, y en buena medida su creador.


El cubismo es (según él mismo señaló): "Un medio para decir las cosas del modo que me parece más natural". 


Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que se enmarca en su período pre-cubista y que será el punto de partida.


De hecho, este cuadro anuncia una época totalmente nueva en el arte y es considerado el cuadro más importante de todo el siglo XX. 



Las Señoritas de Avignon, 1907


Esta es la etapa más importante del arte de Picasso, y la más trascendente. 


Comienza en 1907 y termina oficialmente en 1917. 




Autorretrato, 1907


Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque son los máximos exponentes de esta corriente, que revolucionó las bases de la pintura y de todas las artes. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son vanguardistas. Se pintaron sobre todo bodegones, naturalezas muertas y retratos en este estilo.

El cubismo es esencial como movimiento pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.

Fue el francés Apollinaire quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar.


"La pintura es más fuerte que yo, siempre consigue que haga lo que ella quiere".


La danza de los velos (desnudo con paños), 1907

Tres mujeres, 1907


"La pintura no ha sido hecha para decorar los departamentos. Es un instrumento de guerra ofensiva y defensiva contra el enemigo".



Mujer con abanico (después del baile), 1908


El Cubismo es un hito en la historia de la pintura. Todas las corrientes posteriores van a establecer relacion con el cubismo: o bien para incorporar elementos o bien para rechazarlo.




Ramo de flores en un jarro gris y copa. 1908

Vaso y libro, 1908


George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.




Naturaleza muerta con pescado, 1908



En 1909 Picasso sorprende de nuevo. En "Cabeza de mujer" los planos se descomponen hasta el infinito y desde todos los puntos de vista. En un cuadro como "La mujer en camisa" se puede observar el grado de geometrización a que somete a las formas: el triángulo de la cara, las curvas ondulantes en el cuerpo y en el pelo, todo ello pura geometría. 




Cabeza de mujer, 1908-09


Frutero y panes encima de una mesa. 1908-09

Mujer con mandolina. 1909


El cubismo hará un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.




La fabrica de Horta de Ebro, 1909


Retrato de Manuel Pallarés, 1909



Hacia 1910 Braque y Picasso comienzan el cubismo analitico: el más complejo y abstracto de entre todos los periodos del cubismo; la pintura de Braque y Picasso es entonces indistinguible, y lo sería tambien en las diferentes tendencias cubistas, como con el cubismo sintético.




Retrato de Wilhelm Uhde. 1910


Violín, 1912



Cubismo sintético: Poco a poco los planos se hacen más grandes y aparecen referencias de la realidad, siempre geométricas: cuerdas de guitarra, letras... Los temas son alegres y lúdicos. Son los primeros collages en pintura.





Naturaleza muerta con trenzado de silla. 1912

Hombre con mandolina. 1913


El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. 


La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. 

Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. 

Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. 






Mujer en camisa sentada en un sillón. 1914

Frutero con racimo de uvas y pera. 1914


Arlequín. 1915


Los tres músicos, 1915


La última fase cubista en Picasso es la "puntillista", con la que rompe gradualmente con el cubismo. 

La utilización del punto para componer y crear es propia de los puntillistas como Georges Seurat y Paul Signac e hizo investigaciones Picasso, con la técnica puntillista, en Manola con mantilla. El punto como centro de interés, foco de atención y dirección de la mirada.

Y a partir de este año, 1917, empezará su período neoclasicista, con una tendencia, valga la redundancia, al clasicismo, al desnudo monumental, al dibujo de línea. Durará hasta 1927.




Manola con mantilla, 1917

"Todo lo que puede ser imaginado es real".


Fuentes:



http://www.taringa.net/

http://www.arteespana.com/

Las imágenes son de este blog:

http://www.drasolt.com/index.php?template=cubismodepicasso