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viernes, 30 de septiembre de 2016

FELICE CASORATI - PINTOR ITALIANO - EL RETORNO AL ORDEN

Meriggio 1923


Felice Casorati (1883-1963) nació en Novara y mostró un temprano interés en la música y el arte. Pintor, escultor y grabador italiano.



La preghiera (1914)



Para complacer a sus padres, estudió Derecho en la Universidad de Padua, pero su vocación era ser pintor, una ambición confirmada en 1907, cuando una pintura suya se mostró en la Bienal de Venecia. 

Las obras que produjo en los primeros años de su carrera fueron de estilo naturalista, después de 1910, la influencia de los simbolistas y particularmente de Gustav Klimt se volvió hacia un enfoque más visionario. 




Venecia, 1912
Muchacha en alfombra roja, 1912
Dreaming of pomegranates, 1913
Concierto
Conversación platónica
Chessa, 1928
Gazzetta del Popolo, 1928

Figlia dal purgatotio, 1917


El estudio


En 1919, después de su servicio militar en la Primera Guerra Mundial Casorati se instaló en Turín. 

Sus trabajos de la siguiente década hacen énfasis en la geometría, el "retorno al orden" que prevalecía en las artes como una reacción a la guerra. 

A menudo trabaja en tempera, inspirándose en el estudio de los maestros del Renacimiento, especialmente en Piero de la Francesca , como en su retrato 1922 titulado Silvana Cenni. 




la muchacha de la vasija
Masks (1921)

Ritratto di Cesarina Gualino, 1922


la mujer y la armadura, 1921
Natura morta



En 1923, tras sumarse a un grupo antifascista, fue detenido, enemistándose con el régimen de su país. Ese mismo año, abrió su estudio de Turín a jóvenes estudiantes. 

A partir de 1930, se suaviza e ilumina el tono de su paleta y continuó trabajando y exponiendo con regularidad, logrando importantes premios, entre ellos el Primer Premio en la “Bienal de Venecia” de 1938. 


Muchos críticos de arte, han catalogado la obra de Casorati como fría, cerebral, muy academicista, sin embargo, es reconocido a nivel internacional como uno de los máximos exponentes de este movimiento. 


Murió en Turín en 1963.



Daphne

Daphne e Felice Casorati

Daphne at paravola-1934

Donna vicino al tavolo

Donne chine sulle carte da gioco

Nudo sdraiato (nello studio) - (1934)



El retorno al orden, movimiento artístico:



En paralelo a los acontecimientos políticos que sacudían Europa, la historia del arte sufrió un súbito cambio de dirección al final de la Primera Guerra Mundial. Mientras el continente se recuperaba de la destrucción de la guerra, los artistas iniciaron un movimiento de recuperación de los ideales clásicos y la serenidad en respuesta a las convulsiones estéticas y teóricas de las vanguardias de principios del siglo XX.


El lenguaje artístico dominante en las décadas de entreguerras supuso una alternativa a los caminos abiertos por las vanguardias. Silver define ese cambio como "una protesta" contra el arte anterior a la I Guerra Mundial, que tuvo diferencias en los distintos países europeos: fue "anticubista en Francia", "antifuturista en Italia" y "antiexpresionista en Alemania".



Portrait of Silvana Cenni (1922)
Raja (1925)
Portrait of Casella (1926)


Donna seduta con chitarra 1938

Susana, 1929



Felice Casorati en los últimos años de su vida

viernes, 16 de septiembre de 2016

FRANZ VON STUCK - PINTOR ALEMÁN, JUNTO A CARMINA BURANA

Autorretrato en el estudio, 1905.



Franz von Stuck


Franz von Stuck (24 de Febrero de 1863 - 30 de Agosto de 1928) fue un pintor, escultor, grabador y arquitecto alemán que se destacó en el estilo del simbolismo y del art nouveau.


Aun cuando las nuevas tendencias del arte dejaron a Stuck detrás, siguió siendo altamente respetado entre los artistas jóvenes por su capacidad como profesor en la Academia de MunichA lo largo de los años tuvo estudiantes destacados, como Paul Klee, Hans Purrmann, Wassily Kandinsky y Josef Albers.


Stuck se basaba primordialmente en la mitología, inspirado en los trabajos de Arnold Böcklin. Figuras grandes y pesadas dominan la mayoría de sus trabajos, como su obra "lucifer" inspirada en la mentalidad sombría de Alejandro Berbeyes. Sus trabajos también señalan su proclividad por la escultura. La carga seductora de sus desnudos femeninos –en el rol de femme fatale- son ejemplo de Simbolismo de contenido popular. Stuck prestó también atención a los marcos de sus pinturas y generalmente las diseñaba por sí mismo con tal cuidado en los detalles, las tallas y las inscripciones que deben ser tomados como parte integral de la pintura.




Agua y fuego, 1913


Pero tampoco podemos olvidar su lado negativo y perverso:


Especializado en el desnudo femenino, destaca en su producción la presencia de las llamadas: "femmes fatales", utilizadas en gran medida como excusa para plasmar desnudo el cuerpo de mujer y como escudo para un mensaje puramente moralizador. En un juego misógino, tendencioso y perverso que es conveniente denunciar.

Entre sus trabajos como arquitecto, es necesario destacar, la construcción y diseño de los planos, muebles y decoración interior de la llamada "Villa Stuck" entre los años 1897 y 1898. No en vano, su excelente talento para la estética, le valió la consecución de la medalla de oro en la Feria Mundial de París en 1900 por el referido diseño de los muebles. Además, como curiosidad especial atención merecen los marcos de sus pinturas diseñados o tallados por el mismo y considerados como un elemento incorporado a sus pinturas.

Excluido y relegado al ostracismo, sus detractores siempre alegaron una falta de originalidad en toda su producción. Simbolista de escaso desarrollo y mero plagiador de Böcklin, fueron los argumentos críticos que no le permitieron perdurar y alcanzar una dilatada celebridad. A ello, le debemos sumar un hecho de notable relevancia para frenar su impulso y reconocimiento posterior. Su obra bien recogida y alabada por el régimen nazi y la figura de Adolf Hitler, en particular, debido a la notoria exaltación de la masculinidad en sus trabajos, no hizo más que aumentar, aún si cabe, su marginal posición. Si bien, su genuino estilo mezcla de alegorías, enigmas y siniestras atmósferas le han valido un espacio que es inevitable recordar.


Os dejo unas cuantas obras del pintor:




El pecado, 1893


Salomé, 1903







Lucifer, 1890





El beso de la esfinge, 1895.

















Carmina Burana


En 1803, en el monasterio benedictino de la ciudad de Beuern (Baviera, Alemania), se encontró una colección de 300 poemas goliardescos recogidos en un manuscrito de la primera mitad del siglo XIII. La mayor parte de los poemas estaban escritos en latín aunque unos cuantos lo estaban en una mezcla de latín y alemán, e incluso con algunas palabras francesas. Sus autores eran clérigos que llevaban una vida licenciosa y desordenada y se inspiraron tanto en composiciones populares contemporáneas, con frecuencia groseras, como en las cultas de Homero, Cátulo y Ovidio. Los dos principales temas que desarrollan son el amoroso y el satírico contra la iglesia.


El compositor alemán Carl Orff (Munich 1895 - Munich 1982) autor del famoso método musical para niños Orff- Schulwerk (1930) recopiló 25 de estos poemas en una cantata a la que llamó Carmina Burana (Poemas de Beuern).





Oh Fortuna,
variable como la Luna
como ella creces sin cesar
o desapareces.
¡Vida detestable!
Un día, jugando,
entristeces a los débiles sentidos,
para llenarles de satisfacción
al día siguiente.
La pobreza y el poder
se derriten como el hielo.
ante tu presencia.

Destino monstruoso
y vacío,
una rueda girando es lo que eres,
si está mal colocada
la salud es vana,
siempre puede ser disuelta,
eclipsada
y velada;
me atormentas también
en la mesa de juego;
mi desnudez regresa
me la trajo tu maldad.

El destino de la salud
y de la virtud
está en contra mía,
es atacado
y destruido
siempre en tu servicio.
En esta hora
sin demora
toquen las cuerdas del corazón;
el destino
derrumba al hombre fuerte
que llora conmigo por tu villanía.

2. Llanto por las ofensas de Fortuna

Lloro por las ofensas de Fortuna
con ojos rebosantes,
porque sus regalos para mí
ella rebeldemente se los lleva.
Verdad es, escrito está,
que la cabeza debe tener cabello
pero frecuentemente sigue
un tiempo de calvicie.

En el trono de Fortuna
yo acostumbraba a sentarme noblemente
con prosperidad
y con flores coronado;
evidentemente mucho prosperé
feliz y afortunado,
ahora me he desplomado de la cima
privado de la gloria.

La rueda de la Fortuna gira;
un hombre es humillado por su caída,
y otro elevado a las alturas.
Todos muy exaltados;
el rey se sienta en la cima,
permítanle evitar la rutina
ya que bajo la rueda leemos
que Hécuba es reina.







FARINELLI - HANDEL - LASCIA CH'IO PIANGA - DÉJAME LLORAR

Carlo Broschi, Farinelli


Farinelli [Carlo Broschi]

(Andria, Nápoles, Italia, 1705-Bolonia, id., 1782) Cantante castrato italiano. En contra de lo que generalmente se cree, no era tenor, sino soprano. Como tantos otros niños italianos aspirantes a cantantes, fue castrado en su niñez. El nombre de Farinelli era el de sus protectores napolitanos. Debutó en Nápoles en 1720 con Angelica e Medoro, de Porpora y Metastasio, e inició con ello una carrera repleta de éxitos. Cantó en Viena, Milán, Venecia, Munich, Londres, París y Versalles, entre otros escenarios, y residió en Madrid por largo tiempo.

Llegó a la corte española en 1737, en los últimos años del reinado de Felipe V, y ejerció gran influencia sobre Fernando VI y su esposa, Bárbara de Braganza, uno y otro grandes aficionados a la música. Según testimonios de sus contemporáneos, nunca usó de su influencia para intervenir en política, y se dedicó casi exclusivamente a organizar las funciones de ópera con que se deleitaba la corte. Fernando VI le concedió la Orden de Calatrava en 1750.

Al fallecimiento del monarca en 1759 fue desterrado de España por Carlos III y se retiró entonces a Bolonia, que se convirtió en el centro musical y teatral de Italia. Glück y Mozart lo visitaron en esta ciudad, y el célebre franciscano padre Giovanni Battista Martini fue su consejero.

En Venecia en 1730, el compositor Handel escucho a Farinelli, quien quedó muy impresionado y quiso convencerlo de que aceptara un contrato para cantar en las óperas de Handel en Londres.

Se dice que Handel escucho a Farinelli en Bolonia en 1734, pero decidió castrado contralto Carestini para sus óperas en Londres, Haendel, aparentemente prefería una voz más baja (menos aguda) para el papel.


George Frideric Handel, por Balthasar Denner 

HANDEL - LASCIA CH'IO PIANGA

Lo que me llamó la atención de esta ópera no fue tanto la música como el título:

"Lascia ch’io pianga", "Déjame llorar"


¿Se puede pedir permiso para llorar?, ¿Se puede conceder o denegar permiso para hacerlo?, en el caso de que se tengan ganas de llorar, ¿puede evitarse el llanto si alguien te niega el fundamental, legítimo, irrenunciable e inquebrantable derecho a hacerlo? 

La letra completa con su traducción al español es la que sigue:


Lascia ch´io pianga

mia cruda sorte,

y che sospiri

la libertà;

e che sospiri...

e che sospiri...

la libertà.


Lascia ch´io pianga

mia cruda sorte,

y che sospiri

la libertà;

e che sospiri...

e che sospiri...

la libertà.


Il duolo infranga

queste ritorte

de' miei martiri

sol per pietà;

de' miei martiri

sol per pietà.


Lascia ch´io pianga

mia cruda sorte,

y che sospiri

la libertà;

e che sospiri...

e che sospiri...

la libertà.


Lascia ch´io pianga

mia cruda sorte,

y che sospiri

la libertà;

e che sospiri...

e che sospiri...

la libertà. 


****


Deja que llore

mi cruel suerte,

y que suspire

por la libertad;

y que suspire...

y que suspire...

por la libertad.


Deja que llore

mi cruel suerte,

y que suspire

por la libertad;

y que suspire...

y que suspire...

por la libertad.


El dolor infringe

este sesgo

de mi martirio

sólo por piedad;

de mi martirio

sólo por piedad.


Deja que llore

mi cruel suerte,

y que suspire

por la libertad;

y que suspire...

y que suspire...

por la libertad.


Deja que llore

mi cruel suerte,

y que suspire

por la libertad;

y que suspire...

y que suspire...

por la libertad.



Farinelli el castrado (la pelicula) fragmento de el aria de la opera "Rinaldo" de Handel, lascia ch'io pianga



Fuente de biografía de Farinelli:



(entrada que publiqué en agosto de 2011 y que actualizo hoy)


sábado, 3 de septiembre de 2016

MICHAEL PARKES - REALISMO MÁGICO

La creación







Nacido en Missouri, USA, en 1944, Michael Parkes es un reconocido pintor, escultor y litógrafo. Estudió artes gráficas y dibujo en la universidad de Kansas. Su estilo único evolucionó de forma aislada tras un periodo en el que abandonó la practica del arte y se fue a la India en busca de iluminación filosófica. Esta considerado como un miembro de la generación hippie.










Al principio, pintaba principalmente expresionismo abstracto, el estilo común entre sus maestros, pero después de su pausa para la reflexión empezó a dibujar y pintar en un estilo meticuloso y detallado que le permite dar plena expresión a su mundo interior.

En la escuela de arte conoció a su mujer, artista y música con quien lleva casado más de tres décadas, María Sedoff. Parkes ha sido un estudiante serio y profundo de la espiritualidad y lo esotérico. En los años setenta, la pareja se embarcó en un viaje espiritual a la India que influyó notoriamente en su ideología y en el arte de Michael.











Al salir de la India se asentaron en España, donde aún viven, aunque entonces como una pareja de hippies de mercadillo. Después del nacimiento de su hija, Michael y Maria trabajaron juntos, comenzando con humildad en elaboración y venta de cinturones de cuero para los turistas, pero Michael retomó luego su antiguo oficio de pintor en el que fue creciendo poco a poco hasta conseguir el reconocimiento internacional de que goza hoy en día.














Parkes es un trabajador incansable, no solo pinta, sino que también realiza esculturas de muchos de los modelos que aparecen en sus lienzos convirtiéndolos así en personajes de historias sugeridas. Ha hecho exposiciones individuales en la Art Basel en Suiza, la Art Chicago, la Art Fair NY, la Feria del Libro de Frankfurt, el Amsterdam Art Fair, el Arte TEFAF de Maastricht y es expuesto frecuentemente por galerías en Amsterdam, París, Dinamarca, Italia, Nueva York, Los Angeles, en la “San Francisco Bay Area”, y en mucha ciudades de los Estados Unidos.










En 2007, Michael fue el invitado de honor en la exposición internacional de Suiza en la que expuso “Venus y la intuición femenina”, que fue luego exhibido en Dinamarca y Holanda. El trabajo de Parkes inspiró una producción de ballet contemporáneo por Scorpius Dance Theater de Phoenix, quienes trasladaron sus personajes artísticos a las danzas de ballet.








Parkes realiza también tiradas de litografías realizadas a la manera tradicional, con planchas de piedra en las que cada color se graba individualmente, por lo que cada litografía termina siendo, en realidad, una obra original y única.











Sus esculturas












¡Maravillosas!



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